Reviews

 

Strängar – 2020

STAFF PICKS JUNE 2020 – The Attic Magazine (Nor)

2020 Favourites – The Moderns

2020’s Best Albums (30/12/20) Music Of The Week (6/6/2020)/ Best Artwork (5/06/2020)/ Best Videos (19/06/20) – Son Of Marketing (Ita)

Playlist 2020 – Dioniso Capuano (Blow Up)

|Brainwashed|Usa

This Italian composer’s latest full-length is quite a significant departure from the aesthetic of 2018’s inventively shape-shifting A Conscious Effort, as Novellino decided to head in an entirely non-conceptual direction (he correctly believes that abstract music too frequently has hidden meaning and significance projected onto it in order to lure in both listeners and acclaim). In keeping with that theme, the album’s prosaic title translates simply as “strings.” That title is certainly apt, as sounds conjured from strings are indeed the heart of the album’s aesthetic, but it is also a bit of an amusingly misleading understatement: Strängar is not an orchestral album, but is instead largely a celebration of the many vivid and visceral sounds that one can produce from an inventively misused piano. It is also much more than that though, as Novellino’s cavalcade of scrapes, dissonantly jangling metal strings, and assorted percussive sounds intriguingly bleeds in and out of a very different vision of spacey, hallucinatory synth motifs. Admittedly, that sounds like a potentially unwieldy marriage on paper, but Novellino executes it beautifully to achieve a compelling and unique blurring of the boundaries between disparate worlds.The four numbered pieces that comprise Strängar can all be reasonably described as variations on a single theme, as all are built from a core foundation of strummed, scraped, or hammered piano strings that ultimately dissolves into a second act of simmering synth-driven psychedelia. Novellino proves himself to be quite ingenious in varying the tone and texture of his ephemeral passages, however, and the transitions between them tend to feel both organic and fluid. As a result, each of the four pieces has its own distinct character and that character steadily deepens as each unfolds. In the opening “Strängar I,” a slow-moving progression of minor piano chords hangs in the air as a small-scale textural apocalypse of metallic scrapes, buzzing strings, and snarls of noise unfolds below. Unexpectedly, however, it all dissipates to reveal a sadly blooping synth melody that quickly expands into a densely layered and harmonically rich juggernaut of glimmering, undulating electronics and crunching, clattering machine noise. Since A Conscious Effort, Novellino has gotten considerably more adept at metabolizing his influences into something that feels distinctive and fresh, as the most simplistic description I can muster for “Strängar I” is that it sounds like a John Cage performance and an aggressive Tim Hecker remix of Steve Roach’s Structures from Silence are blurring together in a cathedral full of industrial machinery. There are still recognizable nods to Novellino’s inspirations, but their context and trajectory is never the expected one. That is an admirable bit of transformative alchemy and it is one that Novellino is able to successfully repeat again and again. It almost feels like each piece is some kind of timeless occult ritual that propels me through a portal into a futuristic landscape of neon and gleaming chrome.  In “Strängar II,” Novellino opens with a darkly dissonant and rippling arpeggio pattern that sounds like an autoharp, but presumably originates from piano innards. Gradually, some more gnarled and distorted tones creep into the reverie and coalesce into a dense and erratically throbbing undercurrent. From that point on, the piece steadily evolves in a non-linear fashion, at times approximating a haunted music box or a deconstructed, time-stretched requiem mass, yet ultimately blossoming into a pointillist crescendo of shivering and streaking synth tones. That wonderful finale does not last long, but it is absolutely gorgeous while it lasts, calling to mind a slow-motion fireworks display or a melting night sky full of stars. The following “Strängar III,” on the other hand, initially sounds like a jagged, heaving swirl of chiming and scraping metal strings before eventually resolving into a final act of smoldering drones and pulsing loops that slowly burns out and fades away. Both sections are likable and beautifully realized, but my favorite part of the piece lies in the transition between them, as there is a brief interlude of long, slow scrapes and metallic harmonics that threatens to steal the show long before Novellino gets to the intended pay-off. Elsewhere, Novellino saves his most memorable transformation for the album’s closing statement. At first, “Strängar IV” resembles a skeleton plucking away at a rusty, cobwebbed, and strangely tuned harp as eerie metallic sounds heave and churn in the background, yet a more coherent form slowly emerges as subterranean pulses, shortwave radio noise, and tender swells of warmth snowball into a quavering and hissing dreamscape of intertwined drones.   In a final twist, Novellino then slowly dissolves his elegant structure to make way for a glimmering, receding coda of hazy synth swells and reverberant scrapes and crackles. While Strängar is an impressively absorbing and oft-haunting suite of songs in general, it is an especially wonderful headphone album, as Novellino’s textures are all sharply realized and full depth of his craftmanship does not reveal itself without focused listening. Obviously, there are plenty of other artists in the abstract/experimental milieu who take sound design very seriously, but it is quite rare to encounter one who also pours the same amount of thought and effort into their overall vision or their compositional decisions. In that regard, Novellino is a welcome surprise. Admittedly, it took me a few listens to fully appreciate what he achieved with Strängar, as it is not the sort of album that instantly grabs me by the throat, but rather a quietly mesmerizing slow burn that grows deeper and more vivid with each fresh immersion. I especially love the way the pieces seamlessly transform from rippling, creaking, and scraping metal textures into sublime and harmonically rich soundscapes, as it calls to mind time lapse video of a blooming flower, but with the eerie, dreamlike sensibility of a Quay Brothers film. As a result, I am tempted to come up with some colorful term like “ghost ambient” to describe the darkly beautiful final destination that each of these four pieces reveals, but terms like “drone” or “ambient” would be misleadingly insufficient: Novellino is never content to allow his work to linger in a state of suspended animation, as subtly moving parts are always sneakily assembling the framework for the next transformation.   While it is hard to say whether or not this is Novellino’s best album to date, there is no question in my mind that Strängar marks an impressive leap forward in shaping his evolving aesthetic into a focused and fascinating vision that is his alone.

|Anthony D’amico|

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|Blow Up|

C’è un prima e un dopo e in mezzo c’è la musica. Quella che mette a fuoco i ricordi e apre gli orizzonti. È come un quadro di Turner, che osservi e “senti” ma non vedi subito. Poi ci ripensi e nella tua mente riappare tutto, chiaro in ogni dettaglio. Composta con un set strumentale molto ricco (pianoforte a coda, piano preparato, Buchla 200, sintetizzatore, Prophet 5, harmonium, percussioni, elettronica) la nuova opera del compositore calabrese non nasconde tale abbondanza, la domina. Ancor più che nei suoi sempre apprezzati precedenti lavori, moduli melodici innervano le esplosioni noise che deflagrano in quest’universo sonoro asimmetrico, liberando inaspettata armonia. In principio sono le corde, colpite o sulle quali si armeggia. Ed in vario modo, tra rumori e fratture abrase, appaiono particelle tonali che si espandono in cumulo-nembi elettroacustici, disegnando sequenze che hanno del cosmico e del minimalista, sempre svincolandosi dai generi. Ci sono pulsazione organica e climax fino alla vertigine (Strängar I), l’espirazione sacra dell’organo che apre a visioni aeree d’una Svezia che è più di una suggestione turistica (Strängar II). Il suono impressiona la memoria restando dentro come stratificato paesaggio che si tornerà spesso ad esplorare nel silenzio. Tra i dischi dell’anno.

|Dionisio Capuano|

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Ondarock|Ita

Riconquistare la disarmante purezza del suono per trasformarla in vitale fonte da cui trarre fervida materia emozionale. A meno di due anni di distanza dall’ottimo “A Conscious Effort”, si arricchisce di un nuovo affascinante orizzonte il poliedrico universo sonoro di Attilio Novellino, grazie alla pubblicazione di un lavoro che lo vede solitario protagonista dopo numerose collaborazioni e i prestigiosi contributi di cui si nutriva il disco precedente. Affidandosi alle mere suggestioni delle risonanze scaturenti da quelle corde che danno asciutta denominazione al tragitto plasmato, il musicista calabrese dipinge quattro suggestivi paesaggi sonici che, liberi dalla costringente determinazione di qualsivoglia esplicita sovrastruttura concettuale, si espandono come nuvole in costante movimento, mutevoli formazioni da affidare all’immaginario di chi le osserva. Tra vibranti escursioni pervase da echi siderali e incalzanti tempeste romantiche, la sfaccettata materia elettroacustica sapientemente modellata, si snoda seguendo complesse traiettorie marcatamente dinamiche. Impervie progressioni dissonanti, ipnotiche reiterazioni, improvvise deflagrazioni e ammalianti aperture armoniche e si accostano e compenetrano originando evocative turbolenze acustiche sospinte da taglienti soffi sintetici, in una costante alternanza tra enfasi mediterranea e algida oscurità del nord. Come l’immagine nelle più incisive suggestioni lynchiane, il suono diviene per Novellino cristallina componente con cui tessere vorticosi flussi sensoriali definiti da una estesa gestualità sulle molteplici fonti acustiche impiegate (tavola armonica, pianoforti, organo, percussioni), preziosa linfa attraverso cui distillare immersive navigazioni verso inesplorati territori profondamente enigmatici. L’ennesima brillante prova di un autore alla costante ricerca di una forma inedita con cui dare concretezza ad una visione sempre più personale e consapevole.

|Peppe Trotta|

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SentireAscoltare|Ita

Esce per la berlinese Forwind il nuovo disco dello sperimentatore e sound-designer calabrese Attilio Novellino: registrato tra Stoccolma e Catanzaro, Strängar è il sesto capitolo di una discografia avviata nel 2012 e proseguita con grande frequenza, sia in solitaria sia in compagnia di colleghi e collaboratori. Come esplicitato dal titolo, che significa corde ma rimanda anche a steel (acciaio in inglese), i quattro lunghi movimenti dell’opera prendono spunto dalla materialità del suono di vari strumenti tradizionali (dai sintetizzatori modulari vintage agli archi, dai vari tipi di piano all’organo) per trasformarsi, tramite la commistione con architetture elettroniche e percussioni invasive, in una ciclica e stratificata riflessione sonica tra concreto e artificiale. È infatti un suono in continua mutazione, capace di muovere dalle distorsioni più ispide e le influenze noise a squarci di avvolgente e minimalista lirismo. Strängar conferma dunque (e impreziosisce ulteriormente) l’assoluta validità del percorso di ricerca affrontato da Attilio, sottolineandone il fascino e soprattutto l’unicità nel panorama elettroacustico e ambient.

|Nicolò Arpinati|

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Music won’t save you|Ita

Non è solo la cadenza delle sue pubblicazioni, senz’altro meno frequente rispetto a quella di tanti artisti sperimentali, a caratterizzare la ricerca sonora di Attilio Novellino in senso spiccatamente personale. Nuova, evidente conferma ne è fornita dai quattro lunghi movimenti che formano “Strängar”, dichiaratamente alieni fin dalla loro presentazione da quell’idea di “conceptronica” che in maniera sempre più diffusa accompagna lavori ambient-drone e affini. È, invece, puro flusso sonoro quello che attraversa i quaranta minuti di “Strängar”, una obliqua sinfonia realizzata attraverso il costante dialogo di una composita strumentazione elettro-acustica, nella quale pianoforte e archi gravitano nella polvere cosmica emessa da organi e synth modulari, scanditi da percussioni che ne plasmano le frequenze. Estremamente coesa e dinamica è la viva materia sonora che ne risulta, che sembra quasi svilupparsi in presa diretta, assumendo una varietà di forme al tempo stesso definite e lasciate alla libera immaginazione percettiva dell’ascolto.

|Raffaello Russo|

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Avant Music News|USA

Strängar, by Attilio Novellino is a four-movement work for grand piano, piano soundboard, prepared piano, various synthesizers, and electronics. Novellino, a sound artist, and composer from Catanzaro in the southern Italian region of Calabria, recorded Strängar at EMS Elektronmusikstudion in Stockholm as well as in Catanzaro. Novellino’s musical concept, with its structural use of compact themes and simple elements repeated and recombined, is its own kind of minimalism, but his ear for timbre and his ability to develop richly textured soundscapes gives his music an almost cinematic expansiveness. The core of Strängar consists of resonant piano chords or notes struck once and left to linger, and in short, repeated motifs. From that foundation Novellino layers on a variety of sounds, most notably those created by playing directly on the piano’s strings—scraping, plucking, and striking in such a way as to convey something of the instrument’s sheer materiality. With these sonic foundations thus set down, Novellino then goes on to elaborate each piece with increasingly complex textures and sweeping electronic washes of sustained chords. The end result is a finely-tuned balance of the abstract and the atmospheric.

|Daniel Barbiero|

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Backseat Mafia|UK

June 2020 sees Italian musician Attilio Novellino’s first release on Forwind simply titled Strängar (Strings) features four tracks of piano variants, electronics and electroacoustics. “Contemporary electronic music seems to need extra-musical meanings and a specific concept to be listened to. This can be claustrophobic at times. For this record I was direct, talking only about the sound aspect and describing the process I followed. In this way I believe I pulled out from the matter all the implicit conceptual potential, without further denotation. The title ‘Strängar’ has a strong connection to the matter, steel of the strings, as well as the sculptures to gypsum in the cover art, both showing that praxis and contemplation cannot be separated. Practical life and contemplative life are coexistent, in the modern era at least”. First track “Strängar I” is a tune of two parts. Starting with atmospheric electronic noises sounding like footsteps and clockwork, Novellino uses clever stereo technique to bounce the sounds left and right enhancing the nervousness of the piece. Strängar 1 is a clever engineered soundscape of vibrating skittish strings and drawn out synths. Four minutes in and things change. Sythns take over and there’s a more sure footed feel. A calm comes over and the whole track opens up as the synths wander.

|Craig Young|

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|Drifting, Almost Falling|

“The somewhat blunt and remote title ‘Strängar’ (meaning Strings) was an intentional choice made to avoid going down the route of ‘conceptronica’. While this approach works perfectly for some releases and adds convenience for listeners and reviewers when trying to decipher or add meaning to abstract and instrumental music, on occasion it can feel somewhat forced and a bit of an afterthought.” The latest release from the Berlin based For/wind label, home to the likes of Seasons (pre-din), Erik Levander, Benjamin Finger, etc…. comes from the Italian sound artist Attilio Novellino who has appeared on imprints such as Small Doses, Midira and Crónica to name a few. This four track release nicely balances experimentation with accessibility. Novellino works within the sound art sphere to create pieces that act as a soundtrack by virtue of the moods and textures that he creates. Having an almost metallic edge, the pieces explore depth and tonality as well as flitting between genre styles like drone or possibly even Modern Classical due to the occasional austere sound sources. The personal highlight for me is “Strängar IV” which tends to embody the entirety of the album in the longest piece of the album.

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HIS Voice|CZ

Jméno zvukového experimentátora a soundartisty Attilia Novellina se v našem časopise neobjevilo po osm let, od recenze jeho desky Through Glass. Aktuální album Strängar ukazuje, že se za tu dobu značně rozšířila jeho paleta výrazových prostředků a zraje mu také elektronický instrumentář. Autor uvádí, že pro něho byla důležitou inspirací návštěva Švédska a možnost natáčet ve stockholmském studiu EMS Elektronmusikstudion, následně pak nahrávky dokončil zpět v Itálii. Jinak se však vymezuje vůči jakýmkoli konceptuálním spojením zvukové tvorby s místy či jinými obsahy a jde mu tedy o čistě absolutní hudbu. Navíc je výsledek velmi vydařený. Čtyři atmosferické kompozice o délkách od devíti po skoro čtrnáct minut přinášejí bohaté škály témbrů a struktur. Ač v nich nepulzují rytmy a barevně se jednotlivé části skladeb většinou plynule prolínají, nejeví se mi vhodné zařazení do jedné škatulky typu ambient, který má přeci jen často tendenci také přesahovat k nějakému konceptuálnímu uchopení třeba prostoru či dalších mimohudebních témat. Zde se zkrátka pouze doporučuje zaposlouchat se do bohatých barevných kombinací a jednoduše se kochat. Základními instrumenty jsou tu klavír a syntezátory. Klavír klasický, preparovaný i dekonstruovaný až na samotný rám se strunami, ze syntezátorů zde přitom zaznívají i opravdové „rolls-roycy“ ve svých kategoriích, Buchla 200 modular synthesizer, Serge modular či Prophet 5. Ty doplňují místy také party perkusí nebo harmonia. Všechny klavírní zvuky potvrzují, že byly dobře nahrané v dobrém prostoru, do něhož se potom pohodlně vejdou i hutné elektronické vrstvy. Ostinátní drnkání na struny či noisově zkreslené klávesy místy navozují až postrockový nádech (občas se nechce věřit, že zde nehrají také nějaké kytary), jinde si lze vzpomenout na krautrockovou „kosmische“estetiku, ale celkové mnohovrstevnaté aranže nás pak vždy spolehlivě odvedou mimo žánrové přemýšlení. Osobně se mi z mých posluchačských zkušeností při této desce vybavily například nahrávky Kammerflimmer Kollektief či Radian.

Attillio Novellino nabízí svým novým titulem až hédonické ponoření do vlastního zvukového světa a nedoporučuji jej opomenout.

|Jan Faix|

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|Radioaktiv|Ita

Attilio Novellino: Strängar e ii ritorno al purismo sperimentale

Sul concetto scarnificato, sul minlmallsmo che riconquista dignità al suono per ii suono, si focalizza l’ultima produzlone di Attilio Novellino. Strängar (corde), una parola che rlassume l’input di un intero processo creativo, senza giri di parole o esoterlsml di genere; untitolo che, al contempo, segna iidistacco da quella esasperante ricerca del significato extra-musicale che per l’artista monopollzzerebbe (a torto) lo scenario contemporaneo della muslca d’avanguardia. Nato, dunque, come una necessarla presa di coscienza a discapito dell’ormai dilagante “conceptronica””, il muslclsta calabrese costruisce ii suo ultimo lavoro a partire dalla manipolazione dell’elemento sonoro e dalle connessioni materiche, così da ricavarne forme strumentali alternative a sostegno di una nuova vislone dell’arrangiamento. II disco, pubblicato il 4 giugno per Forwind Label e registrato tra Catanzaro e l’Elektronmusikstudion di Stoccolma, si compone di quattro movimenti che fondono design elenronico e paesaggisonori classici. Una produzione elenroacustica mutevole curata attraverso svariati accorgimenti strumentali:dai modulari vintage (gllstorici Serge, Buchla 200 e Prophet 5) alle varianti di piano (a coda e preparato); dagliarchiai tappeti di organi e harmonium; dalle impalcature elettroniche a quelle rumoristiche-percussive. Diverse rese disuono che attingono all’ambient drone piu cupo e contemplativo, ad abbellire un fulcro di musica concreta strutturata con elementi acustici ripetuti e ricombinatl. Quaranta minuti che scorrono tra etereo swelling e attimi di lineare colonna sonora, mentre frammenti acustici e suoni adanati vengono manipolati per mezzo di grammatiche di riverberi, romantlche armonie e collisioni risonanti. Composizione che nella sua architettura si dimostra ciclicamente organizzata e stratificata, con un approccio che fonde tecnologia, prassi strumentale e sperimentazione (un esempio già a partire dalla prima traccia, dove melodie splittate e tecniche stereo intensificano l’ascolto). Un insieme di scelte che valorizzano lo strumento nella sua essenzialità, ottenendo soluzioni arrangiate inedlte per flsica, armonia e costruzione effettistica. Strängar delinea un lavoro solista denso disuggestioni ed enigmatici spiragli sonorl che, contrariamente ai paragoni proposte da certe recensioni contemporanee (vedi gli ingenui riferimenti a Tim Hecker) rivela, invece, un consapevole quanto mai personale percorso di ricerca per Attilio Novellino.

In sintesi una sinfonia obliqua dove tecnica e percezione proiettano l’ascoltatore in paesaggi di maliosa contemplazione.

|Danilo Ranieri|

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|Europa e cultura elettronica|Ita 

Album 2020 per il sound artist calabrese Attilio Novellino, che giunge a due anni di distanza da A Conscious Effort.
Attivo da fine anni zero, Attilio Novellino ha iniziato a pubblicare con continuità a partire dal 2012, anno in cui pubblicò Through glass, album recensito su queste pagine. Quest’anno ha pubblicato anche l’album The Assault Of Heaven in collaborazione con Our Love Will Destroy The World (Campbell Kneale). La tracklist di Strängar (Stringhe in svedese, l’album è stato difatti registrato a Stoccolma) presenta bordoni di sintetizzatore (Strängar I), trame elettroacustiche (Strängar II e Strängar III), fino alle interferenze ambientali di Strängar IV, brano caratterizzato da più movimenti. L’album è supportato da una estrema stratificazione di suoni e di elaborazioni elettroniche e sembra costruito sull’accumulo e sul superamento dei vari layers che compongono le tracce, in un continuo movimento in divenire. Al netto di un approccio espressivo astratto, basato sul rapporto tra frammento ed insieme, Strängar nasconde al suo interno un cuore ricco di suggestioni acustiche e di meditazioni in stile non-music.
L’ album è presentato in questo modo su Bandcamp: “Italian musician Attilio Novellino released his first album in 2009. Since then he has been focused on the use of sound as a psycho-acoustic tool throughout his solo albums and collaborative projects. (See bio for more info). June 2020 sees Attilio’s first release on Forwind with four tracks of piano variants, electronics and electroacoustics.”

|Fabio Leggere|

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Rockerilla|Ita

Pianoforte, tavola armonica con archi, pianoforte a coda, pianoforte preparato, Buchla 200 modulare, sintetizzatore, Serge modular, Prophet 5, harmonium, organo, percussioni ed elettronica. Svezia. Contemporaneità musicale. Corde. Con questi elementi base entro nel sempre instabile e affascinante mondo sonoro di Novellino e lo ascolto. Lo scopo non è capire le intenzioni dell’artista ma capire dove può portarmi la sua musica. Come sempre l’impatto non è semplice, il musicista calabro si presenta ermetico, apparentemente riluttante all’abbraccio che pian piano però si manifesta con voce sommessa prendendo forma, colpendo profondamente, facendo vibrare le corde, le più intime.

|Mirco Salvadori|

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The Assault Of Heaven – Attilio Novellino/Our Love Will Destroy The World – 2020

The Best of Experimental Music Bandcamp – September 2020

STAFF PICKS AUGUST 2020 – The Attic Magazine (Nor)

Album Of The Day 17/09/21 – The Attic Magazine (Nor)

Blow Up #269 |Ita

La pubblicazione su musicassetta di due lunghi brani di durata simile va a concretizzare la collaborazione tra due musicisti geograficamente distanti – Novellino risiede in Calabria e Campbell Kneale a Wellington – che hanno in comune la propensione tanto per la produzione solista quanto per l’allestimento di progetti condivisi. La denominazione che il veterano sperimentatore neozelandese utilizza da un decennio (più probabile però che i lettori lo ricordino come Birchville Cat Motel, firma con la quale ha siglato una cinquantina di album tra il 1997 e il 2011) si attaglia perfettamente alla fascinazione per la creatrice distruttività che permea questo “assalto al cielo”. Ispirazione è infatti la disordinata vita e ancora più disordinate opere di Michail Bakunin, incontrate da Novellino durante i suoi studi – accademici e pure no – su Anarchia e Potere. Il nemico numero 1 di Marx ed Engels ai tempi della prima internazionale aveva in altissima considerazione la componente distruttiva del processo rivoluzionario, che riteneva indispensabile al fine del libero dispiegarsi delle energie creative del popolo che l’autorità e lo Stato incessantemente soffocano e reprimono. I due titolari, coadiuvati da validi soci il cui apporto è tutt’altro che decorativo, si tengono in ogni caso ben lontani dal caos sonoro che il fruitore sospettoso già ipotizza al leggere il titolo del secondo lato – The Joy Of Destruction – e organizzano energetiche tessiture che risuonano di sperimentazione colta, bellicoso spirito avant-rock e della vorticosa improvvisazione che anima in particolare il brano citato. Più articolata è la prima composizione, Negative Theology, che si avvale di strumenti tradizionali (Dilruba, Guquin) per dar vita a vivide suggestioni visuali – volendo potreste chiudere gli occhi e immaginare il figlio rinnegato della nobiltà russa sulle barricate di Dresda nel 1849 – nello scambio con elettronica dronizzante, percussioni e altra roba assortita. Novellino opportunamente sottolinea l’influenza della buonanima di Krzystof Penderecki, personalmente consiglierei l’album a chi conserva tra i propri santini quello di Glenn Branca per le sue impennanti sinfonie e, perché no, a chi si è fatto entusiasmare dalle pagine più anticonvenzionali dei Godspeed You! Black Emperor. Ottima sintonia tra demolizione e spiriti liberi.

|Peppe Aiello|

|Eng|

The release on cassette of two long pieces of similar duration concretizes the collaboration between two geographically distant musicians – Novellino lives in Calabria and Campbell Kneale in Wellington – who have in common the attitude both for solo production and for the shared projects. The name that the veteran New Zealand experimenter has been using for a decade (more likely, however, readers remember him as Birchville Cat Motel, a signature with which he signed about fifty albums between 1997 and 2011) fits perfectly to the fascination for the creative destructiveness that permeates this “assault on heaven”. Inspiration is in fact the disordered life and even more disordered works of Michail Bakunin, encountered by Novellino during his studies – academic and not – on Anarchy and Power. The Enemy number one of Marx and Engels at the time of The First International held in the highest regard the destructive component of the revolutionary process, which he considered indispensable for the purpose of the free unfolding of the creative energies of the people that the authority and the State incessantly suffocate and repress. The two owners, assisted by valid partners whose contribution is anything but decorative, in any case keep far away from the sound chaos that the suspicious listener already assumes by reading the title of the second side – The Joy Of Destruction – and organize energetic textures that resonate with serious experimental music, warlike avant-rock spirit and the whirlwind improvisation that animates the above song in particular. The first composition, Negative Theology, is more articulated, which uses traditional instruments (Dilruba, Guquin) to give life to vivid visual suggestions – if you wish you could close your eyes and imagine the renegade son of the Russian nobility on the barricades of Dresden in 1849 – in the exchange with droning electronics, percussion and other assorted stuff. Novellino appropriately underlines the influence of Krzystof Penderecki’s good soul, personally I would recommend the album to those who keep Glenn Branca’s one among their holy cards for his soaring symphonies and, why not, to those who got excited by the most unconventional pages of Godspeed You! Black Emperor. Excellent harmony between demolition and free spirits.

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|Pinkushion|FR

Une brèche musicale s’ouvre entre l’Italie et la Nouvelle Zélande, soit respectivement le compositeur électro-acoustique Attilio Novellino et Campbell Kneale aka Our Love Will Destroy The World. Fruit d’une collaboration entre les musiciens Attilio Novellino et Campbell Kneale aka Our Love Will Destroy The World (ex-Birchville Cat Motel), The Assault of Heaven est aussi cette brèche musicale qui s’ouvre entre la Nouvelle Zélande et l’Italie, cherchant à promouvoir, selon la manière dont l’album se présente officiellement, comme une force négative productrice s’opposant ainsi à la croyance positiviste. Les deux longues compositions peuvent être lues, en ce sens, comme l’inconscient occulte et chaotique de cette évolution du monde adorateur du progrès et de la surabondance, un inconscient que les musiciens veulent décrire minutieusement et traduire en musique. Explorant différentes voies comme la noise, le rock expérimental ou encore la musique traditionnelle à laquelle renvoie la présence des instruments comme le dilruba indien ou le guqin chinois, « Negative Theology » incorpore plusieurs genres et sonorités acoustiques pour produire une forme complexe et confuse, alors que « The Joy of Destruction » prend plaisir à déconstruire par l’improvisation toute une organisation musicale à coup de percussion et de guitare électrique pour qu’il n’y règne au final que l’énergie à l’état pur. En dehors de la grande qualité du résultat, The Assault of Heaven est aussi un dialogue riche et passionnant entre deux générations de musiciens qui se reconnaissent dans un même regard sur le monde, sombre et désincarné.

|Umut Ungan|

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|Nowamuzyka|PL

Euforia nadmiaru.

Łatwo napisać, że album powstał między rokiem 2016 a 2019. Trudniej wyobrazić sobie jak praca nad nim mogła przebiegać. Jakkolwiek detale techniczne, czyli pracę na linii Włochy – Nowa Zelandia, łatwo sobie wyobrazić, tak składanie w całość rozrzuconych partii instrumentalnych już nie. Efekt pracy dwóch muzyków został zatytułowany „The Assault Of Heaven”, a za nagraniami stoją pochodzący z Włoch Attilio Novellino oraz Nowozelandczyk Our Love Will Destroy The World (Campbell Kneale). Należy jeszcze wspomnieć, że wydawcą został niestroniący od eksperymentów Opal Tapes. Dwa utwory wchodzą w skład albumu. Oba o różnym stopniu uformowania. Oba cechuje efektowne bogactwo, którego częste zmiany, gra dodatkami, swoiste blendowanie przykuwa mocno uwagę słuchacza. Obaj twórcy zadbali o to, żeby nie można się było nudzić, ani być niezadowolonym z kompletnego braku zaskoczeń, a tych jest sporo. Przede wszystkim szalona filmowość muzyki, która nosi przecież wszelkie eksperymentalne ozdoby, a jednak potrafi intensywnie wpływać na wyobraźnię. „Negative Theology” nie może zdecydować się na jeden punkt odniesienia. I tak w trakcie trwania pojawia się chiński instrument Guqin (Gianmaria Aprile), indyjski Dilruba (Enrico Falbo) czy cała masa instrumentów dętych i perkusji złączonej z elektroniką. Euforia nadmiaru nie jest puszczona samopas, ale silnie kontrolowana przez twórców o czym świadczy stworzenie środowiska dźwiękowego podzielonego na pięć części. Najbardziej porywające fragmenty czekają nas w drugiej połowie utworu. „The Joy Of Destruction” jest gwałtowniejszy i to pomimo otwierającej partii gitary akustycznej (Luca Brembilla). Jak wiemy z twórczości Jakuba Ziołka szlachetne, akustyczne brzmienie śmiało może przejść w brutalny pejzaż. Zgodnie z tą zasadą (oraz tytułem utworu) tak właśnie się dzieje. Migocząca perkusja stanowi fundament elektroakustycznej symfonii, która wzbiera na naszych oczach lub uszach. Ach, jakże podoba mi się szerokość osiągana przez muzyków, kiedy już rozsądek umyka. Hulaj dusza, piekła nie ma! Gdyby ktoś chciał wiedzieć jak się wywołuje efekt twardego resetu, pownien tego posłuchać.

|Jarek Szczęsny|

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|SentireAscoltare|Ita

A circa un mese dall’uscita di Strängar, splendida e avvolgente suite in quattro movimenti, il compositore electro-acustico Attilio Novellino torna con un nuovo lavoro, questa volta in collaborazione con un artista che egli stesso definisce «uno degli eroi folli della sua gioventù», ovvero Campbell Kneale, qui con l’alias Our Love Will Destroy the World. The Assault of Heaven si compone di due lunghe tracce che riassumono pienamente le fascinazione di entrambi i musicisti e sperimentatori, restituendo all’ascoltatore un affiatamento assolutamente prezioso e raro: dalle percussioni calde e rielaborate a tribalismi esasperati, dal noise-rock free-form più rovente e desertico a scarti di un’elettronica post-industriale e ricordi di musiche possibili (Jon Hassell d’altronde è da sempre un nume tutelare per il neozelandese Kneale). Un assalto sì ambizioso, ma a cui è davvero difficile resistere.

|Nicolò Arpinati|

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|Ondarock|Ita

Il costruttivo impeto di un propositivo caos. A pochi mesi da “Strängar”, brillante sinfonia in quattro movimenti costruita in totale solitudine, Attilio Novellino torna a pubblicare un nuovo percorso collaborativo, che lo vede affiancato questa volta a Campbell Kneale, vulcanico e prolifico musicista attualmente attivo sotto l’alias Our Love Will Destroy The World. Frutto di un lungo scambio di idee e materiale in virtuale viaggio tra Italia e Nuova Zelanda fin dal 2016, “The Assault Of Heaven” accoglie e combina gli stimolanti universi artistici dei suoi due autori, dando origine a un violento magma sonico intensamente sfaccettato, cristallizzato in due dilatate traiettorie che occupano i lati del nastro curato dall’etichetta inglese Opal. Differenti per costruzione e sviluppo, le due tracce sono accomunate da un meticoloso lavoro di ibridazione, che vede la roboante furia iconoclasta dei granitici vortici elettrici di Kneale intaccati, scavati e impreziositi da cinematiche correnti sintetiche e contributi acustici modellati dal sound artist calabrese e in parte affidati a un nucleo di artisti attentamente scelti. Tale componente strumentale prevale nettamente in “Negative Theology”, dinamico flusso caratterizzato dal succedersi di trame narrative variabili, in bilico tra molteplici influenze e suggestioni. Scandito dagli echi evocativi dell’indiano Dilruba (Enrico Falbo), del cinese Guqin (Gianmaria Aprile) e da una nervosa sezione ritmica (Angelo Bignamini), il torrente risonante scava un frastagliato alveo che conduce verso un obliquo approdo silente. Decisamente più convulsa e violenta è l’evoluzione di “The Joy Of Destruction”, ruvida deriva interamente frutto di improvvisazione, aperta da un delicato fraseggio di chitarra (Luca Brembilla) e scandita da un drumming incalzante (Francesco Gregoretti) che si muove su un tappeto elettroacustico frastagliato e temibile come un’incombente parete rocciosa da scalare con coraggio, fino a giungere a un finale devastante che segna la definitiva conquista e distruzione del regno della somma quiete. Disarmante potenza di un suono che si distende trasversale tra elettronica, noise, rock e tradizione per azzerare un presente sempre più inquietante e costruire una nuova visione.

|Peppe Trotta|

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|Europa e cultura elettronica|Ita

Album in collaborazione per il sound artist Attilio Novellino con Campbell Kneale qui sotto le insegne Our Love Will Destroy The World. Attilio Novellino (noto anche con l’alias Un Vortice di Bassa Pressione) è un musicista calabrese attivo da fine anni zero che ha pubblicato quest’anno anche l’album solista Strängar. Our Love Will Destroy The World (Campbell Kneale) dal canto suo è un musicista di base in Nuova Zelanda, aativo anch’egli da fine anni zero, che ha pubblicato quest’anno anche l’album Send Endless Wolves. L ‘album che si ispira alle teorie bakuniane esplora la “violenza della positività” della nostra società ed è composto di sole due tracce. La prima (Negative Theology) è più astratta, stratificata ed elettronica, la seconda (The Joy Of Destruction), molto efficace nella resa, inizialmente se configura come un brano impro-jazz, per poi evolvere verso lidi noise-drone.
The Assault Of Heaven esplora in modo piuttosto intelligente la radice delle conflittualità della nostra epoca, dove il capitalismo, sorta di moloch ateo, si esplica secondo le logiche del caos controllato e della distruzione dell’esistente.
L ‘album è presentato in questo modo su Bandcamp: “‘The Assault Of Heaven’ relies on radical thought of the negative as the creative driving force. Inspired by the theory and actions of Mikhail Bakunin it explores the era of the “violence of positivity”, which appears in the form of overproduction, overachievement and transparency, Consisting of two long suites, combining music for traditional instruments, contemporary classic, drone, noise and free-rock music.” Consigliato a chi ama la musica di William Basinski, Swans, Sunn O))).

|Fabio Leggere|

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A Conscious Effort  – 2018

|Brainwashed|USA

I was completely unaware of this Italian sound artist’s work until only recently, but he seems to be having quite a big year, as his duo with Roberto P. Siguera (Luton) released their bleakly lovely debut on Lost Tribe Sound and now there is this leftfield gem of a solo album.  While I am sure comparing one underheard artist to another is quite a quixotic endeavor, there have to be some people out there who remember Talvihorros’s Descent into Delta album and Novellino does something similar here: A Conscious Effort feels like a sustained and immersive plunge into the mysteries of the mind.  In keeping with the ambition of its apparent conceptual inspirations, the music is a shape-shifting and kaleidoscopic fantasia that seamlessly blurs together roiling drones, viscerally snarling feedback, skipping loop experimentation, and even an occasional eruption of pummeling, slow-motion doom metal.  Naturally, I prefer some threads more than others, but the entire album flows together beautifully and evocatively.
The opening “Conceptual Experience of the Body” slowly creeps into being like a mysterious fog, as murky drones, shuddering strings, and running water glacially and unexpectedly cohere into a warm cello theme courtesy of guest Alex Vatagin.  It is an intriguing and deceptive entry point, blossoming into nakedly lovely chord swells that suggest the start of something epic and Romantic.  Instead, the album immediately plunges down a buzzing and roiling rabbit hole of hallucinatory darkness with “False Self Cage” and only sinks deeper into that dark spell from there.  “Cage” is one of the more viscerally striking pieces on the album, as its strangled and squealing strings blossom into a heaving and seething sea of stuttering loops, hiss, and shimmering noise.  Even at this early point in the album, however, it is quite clear that the boundaries delineating individual pieces are largely irrelevant, as A Conscious Effort unfolds like a single, unbroken nightmare that gradually becomes more dense and more real.  Each new “song” seamlessly segues into the next and the overall effect is like sinking deeper and deeper into an immersive dreamscape that seethes with vague menace and vibrantly kinetic textures.  While there are plenty of striking passages throughout the album, they feel like they either blossom forth from a roiling morass or unexpectedly snap into focus from churning entropy.
Part of the beauty of A Conscious Effort lies in how seamlessly Novellino and his bevy of collaborators are able to transform their aesthetic time and time again, like some kind of fluidly shifting and phantasmagoric hydra.  It is often easy to spot Novellino’s influences, but it is impossible not to be impressed with how masterfully he channels each of them and integrates them all into a coherent whole.  In “Boundless Hope, Boundless Illusion,” for example, the stuttering warm chords of early Tim Hecker transform into a lush, widescreen crescendo in the vein of Popul Vuh’s Aguirre soundtrack.  That piece is then followed by a grinding, swirling, and throbbing eruption of guitar noise that would make Kevin Shields smile (“The Anatomy of Envy”).  Later, Novellino’s love of noisy guitars surfaces again in the insistently pulsing “Satan is Always Happy,” which marries the roaring unison notes of Sonic Youth or Glenn Branca with obsessively stuttering loops à la classic Oval.  The last highlight, “Perceptual Experience of the Body,” is a full band effort that does not recall anyone in particular, yet dives wholeheartedly into doom territory as a squall of snarling feedback and grinding noise rolls over the top of clattering tribal toms and sludgy, blown-out bass tones.  It is admittedly a bit disorienting to encounter such varied tour of underground subgenres on one album, yet somehow it all works and cumulatively snowballs into a very coherent and satisfying arc.
The album ends on an eerily lovely note, as a simple, blearily wobbling piano melody slowly becomes consumed by a passing cloud of distortion, then re-emerges for a tender and unadorned final coda.  Notably, I was initially somewhat exasperated by how little I was able to find out about this album or Novellino in general, as the arc and shifting mood of A Conscious Effort feels like it must mirror something like The Inferno or some found diaries from a Victorian mental hospital: this album feels very much like an abstract interpretation of a novel or a Bosch retrospective.  In hindsight, however, the matter-of-fact and modest statement “Attilio Novellino is a multi-instrumentalist with a very detailed view of soundscapes” is quite apt in conveying what he does, even if it undersells it quite a bit.  The details and the craftsmanship are what elevate this album into something special.  Novellino is considerably more than a talented chameleon: there is a larger and deeper vision at work here and Novellino executes it all masterfully, crafting a richly textured, thoroughly absorbing, and strikingly vivid sound world that becomes steadily more compelling as I am drawn further and further into it.  Viewed a single piece of music, this album is a legitimate tour de force.  If A Conscious Effort can be said to have any flaw, it is only that Novellino succeeds a bit too well in creating a dream state, as the shifting and elusive nature of the piece prevents it from leaving a deep mark on my consciousness after the last note fades.  It is a hell of a beguiling spell while it lasts though.

|Anthony D’amico|

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|Blow Up|Ita

Si era parlato di Attilio Novellino , da queste parti, con il progetto Luton che ci piacque (e ci piace) assai. Troviamo la conferma del giovane sperimentatore calabrese di unire ricerca sonora rigorosa e coraggiosa, passionalità, che non sappiamo dire diversamente da post-romantica (si arrivi in fondo, ad Amygdala Poetry), e grande padronanza tecnica dei flussi sonori. L’articolata trama del disco contiene nuclei armonico-melodici. dalle forme anche arcaiche (Conceptual Experience Of The Body). Senza soluzione di continuità, le unità compositive attraversano improvvisazioni (electro)acustiche (False Self Cage), crepitante post-ambient (Boundless Hope, Boundless Illusion), rumore grigio con cuore kraut (The Anatomy Of Envy), post rock affondato (Perceptual Experience Of The Body), giungendo infine a quel concetto organico-teorico di cui sopra. Bello lo stuolo di collaboratori, tra essi Tim Barnes, Ken Camden (Implodes), Shane Perlowin (Ahleuchatistas), Paolo Cantù (Tasaday, Six War Madness), Alex Vatagin. Masterizza Rashad Becker, un nome, una garanzia.

|Dionisio Capuano|

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|Ondarock|Ita

È un momento decisivo anche per il giovane sound artist catanzarese Attilio Novellino, tra gli otto autori afferenti all’Archivio Italiano Paesaggi Sonori (AIPS) e quest’anno già co-firmatario dell’intenso debutto a nome Luton con Roberto P. Siguera. “A Conscious Effort” è il suo primo album licenziato da Midira Records, pregevole etichetta d’area ambient/drone dal cui catalogo sono passate figure di culto come Aidan Baker, Thisquietarmy e più di recente Zenjungle.
Prodotto in edizione limitata di sole 100 copie in vinile trasparente, non vi è alcun dubbio che si tratti di un notevole traguardo espressivo, dove da rodato compositore d’atmosfera Novellino assume il ruolo di mastermind per armonizzare tra loro le identità sonore di alcuni ospiti internazionali (del settore e non), sui contributi dei quali sono imperniate diverse tracce dell’album.
Pur dovendo pagare il giusto tributo al Tim Hecker degli anni Duemila – ma chi ne è esentato? – il talento nostrano dimostra infatti un gusto tanto raffinato quanto eclettico nel disporre “A Conscious Effort” in un orizzonte che abbraccia l’elettronica sperimentale, la neoclassica e finanche il drone-metal.
L’ingresso in sordina “Conceptual Experience Of The Body”, quieto ribollire di glitch, si avvale ben presto del violoncello di Alexandr Vatagin (padrone di casa Valeot, prima editrice di Attilio) e degli arricchimenti di Daniel Mackenzie e Maxime “Witxes” Vavasseur, tra i best kept secret della fiorente scena ambient. Tra i comprimari d’oltreoceano vanno poi citati il chitarrista Shane Parish (“Pure”), un terzo dei math-rocker oltranzisti Ahleuchatistas, e il percussionista newyorkese Tim Barnes (“False Self Cage”), sin da inizio millennio un nome ricorrente in progetti d’avanguardia e improvvisazione radicale a tutto campo, nonché la chitarra cosmica di Ken Camden, rivelazione di casa Kranky che pervade il pre-finale “You Falling”.
Non mancano però efficaci affondi da parte di musicisti connazionali: in particolare su “Neurofeedback Radiations” con Francesco Guerri, violoncellista già al fianco di Carla Bozulich, e la chitarra del versatile Paolo Cantù (oggi principalmente attivo con il progetto Makhno); mentre l’apice drammatico del lato B, “Perceptual Experience Of The Body”, si consuma tra le distorsioni e i feedback del basso di Angelo Bignamini (Great Saunites) sulla batteria solenne e ritualistica di Francesco Gregoretti (Architeuthis Rex).
Assieme “corporea” e “intellettuale”, fisica e impalpabile, “A Conscious Effort” è un’opera dall’animo contrastato, sfuggente, inequivocabilmente umano. E, nel suo ambito, una delle migliori prove italiane degli ultimi anni.

|Michele Palozzo|

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|Musique Machine|Fr

Soundscapes, like landscapes, can range from sparse and minimal, to dense, heavy, and jarring. Italian sound artist Attilio Novellino understands this wide range, and applies many different approaches to his creations to produce thoughtful, evocative sonic landscapes. This is no different on his latest, A Conscious Effort from Midiria Records, and fans of well constructed atmospheres would do well picking up this limited release.
Deftly moving between luxurious soundscapes and feedback soaked industrial, Attilio Novellino keeps A Conscious Effort moving and evolving, while still focusing on the sounds that make up the basis for each composition. Opening like dawn on a vast plain, “Conceptual Experience of the Body” starts A Conscious Effort out like a wondrous day on a new world. The experiences about to unfold are unknown and exciting, and when given the chance to listen and settle in, work with the body’s rhythms and moods to further connect the listener to the soundscapes ambulating through the speakers. In between the sparseness and the heavy, a softer, electronic ambient is allowed to emerge. Like the periphery of works from artists like Tim Hecker, this rolling wave crackles with noisy flourishes which add a rich texture to the airy highs that pull the tracks along. However, this skyward journey is temporary, and Attilio continues to change direction and build up more steam for A Conscious Effort. While many acts twist and turn just for the sake of it, the music on display here is never without purpose, and each note feels as strong as the one that precedes it. Well constructed, well recorded, and well executed, A Conscious Effort flows together according to design and delivers the listener a complete package.
Coming from Midira Records in a lush, limited edition, Attilio Novellino’s A Conscious Effort is a wonderful piece of sound art that adroitly moves between styles and makes the absolute most of its 40 minute run time. Blending textures and layers throughout, A Conscious Effort is a refreshing take on modern soundscapes. Constantly flowing with many new treasures to be discovered on subsequent listens, Novellino’s latest is a remarkable recording.

|Paul Casey|

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SilenceAndSound|Fr

L’ artiste italien Attilio Novellino, moitié de Luton aux cotés de Roberto P. Siguera, aime plus que tout tailler le son comme s’il était une matière précieuse que l’on doit traiter avec la plus grande précaution.
A Conscious Effort est album d’ambient qui pose les bases d’un son en apesanteur, comme surgissant d’une nappe irréelle, coincée dans les profondeurs de rêves en constante mutation, où les basses peuvent gronder moelleusement en arrière, alors que des nappes métallurgiques éclaboussent l’intérieur de nos pensées.
On pourrait presque dire qu’il propose quelque chose de différent, croisant la densité de Gas et flirtant avec la fragilité de Lawrence English, faisant tournoyer des motifs aux couleurs drones dans des cercles pris de tournis, déversés par des featurings tout en raffinement, des violoncellistes Alexandr Vatagin et Francesco Guerri en passant par les guitares de Shane Parish ou Paolo Cantù, la basse de Angelo Bignamini ou la batterie de Francesco Gregoretti.
Le track final, Perceptual Experience Of The Body ouvre les portes à un doom tout en retenu, qui n’est pas sans évoquer la formation The Body, jetée dans un bain d’expérimentations voyageuses et de soubresauts free jazz. Un des albums d’ambient expérimental les plus intenses et intransigeants de cette année 2018. Vital.

|Roland Torres|

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|So What|Ita

Tortuosi ed inafferrabili sono i percorsi della mente, complesso meccanismo intrappolato in un corpo che con la sua caducità spesso ne rappresenta un aspro limite determinante il prepotente emergere della sua oscura fragilità. È a questo indissolubile legame tra pensiero e materia che da forma “A conscious effort”, evocativo tracciato che vede Attilio Novellino restituito alla dimensione unitaria dopo la doppia collaborazione con Collin McKelvey (“Hyperhunt”, “Métaphysiques cannibales”) e l’esordio del progetto Luton che lo vede accanto a Roberto P. Siguera.
Una solitudine assoluta, necessaria per plasmare fin nel più minuto dettaglio i diversi momenti di un lavoro ambizioso, un isolamento che non viene intaccato dai numerosi contributi presenti, affidati ad un nutrito numero di artisti scelti con estrema cura per giungere al pieno compimento di una visione profondamente chiara.
A partire dal flebile ribollio di interferenze costruite con l’ausilio di Daniel Mackenzie e Maxime Vavasseur, attraverso cui si fa largo il violoncello di Alex Vatagin nell’iniziale “Conceptual Experience Of The Body”, quel che si dipana è un incostante incedere tra l’evanescenza delle sensazioni e la corposità della materia tradotto in un’estremamente composita sequenza di flussi che hanno nella loro persistente cupezza e tensione il tratto comune. Come a voler dare forma alle parti che compongono l’organismo, diverse eppure tutte collegate, e ai differenti stati di coscienza da esso attivati, Novellino costruisce un itinerario cangiante eppure coeso, che vede accostati senza soluzione di continuità scarne modulazioni costellate dalle metalliche trame ritmiche affidate a Tim Barnes a saturazioni di frequenze allucinate , le irregolari ed oblique trame elettroacustiche del violoncello di Francesco Guerri e della chitarra di Paolo Cantù a convulse ascese di vorticose dissonanze, plumbee cavalcate elettriche cadenzate da pulsazioni profonde di Angelo Bignamini e Francesco Gregoretti a ruvide dilatazioni in dissolvenza, fino a giungere al conclusivo angosciato lirismo di “Amygdala poetry”.
Ne scaturisce un universo composito estremamente immaginifico, nel quale si riversano le molteplici istanze di un autore costantemente dedito alla ricerca di soluzioni inesplorate. Radiografia di un’anima tormentata, “A conscious effort” è un viaggio concettuale permeato da prepotente visceralità.

|Peppe Trotta|

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|Toneshift|USA

Attilio Novellino is a sound artist from Italy who returns with a full length solo album after a whole six years. We can’t say he has been totally silent in this time span, his numerous collaboration works show quite intense activity and a certain attitude to generate a network around him, that is also reflected in the way A Conscious Effort is built. Despite it being entirely conceived and composed by the Calabrian artist, the album features the presence of many other musicians who lend their skills and instruments to shape this new sound world. 

In the conception of this album Attilio really takes advantage of the support: the LP. Generating two sound continuums, one for each side of the record with no separation in-between the tracks, song names act as the titles for the chapters of one single book, one single flow. Altogether, both sides share an identity: they sound wide and deep, loud, overwhelmingly huge.This maximalist drone mass still does not renounce to a certain degree of complexity both in the staking of vertical layers and in the interplay of the sound objects in-between the thick textural lines. This highly curated and elaborate, microscopic work of interferences, as carvings upon the surface of a precious gem, embroidered along the threads of his whole album, is what makes Attilio’s work stick out from the gigantic plethora of drone records we witness every year. 

Another element of great interest for me was the ability to step from more traditional electroacoustic moments to properly outlined post-rock sections. He demonstrates a great ductility and a certain ambition to reshape and emancipate a certain field of electronic music by taking new paths and, turning it into a more user-friendly experience that doesn’t totally cut away tonality, rhythm and melody.In this sense I found particularly appealing the tracks “Perceptual Experience of the Body” and “Amigdala Poetry”, in Side B. Both these tracks are perfect examples of contamination between well-known and crystalized musical forms that Attilio is able to investigate further to reveal new possibilities and elements unthought of.

|Giuseppe Pisano|

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|Kathodic|Ita

Nuova uscita per il sound artist di Catanzaro, Attilio Novellino.
Undici osservazioni ambientali figlie di questi anni, ricche di dettagli e un continuo dai e vai di piani sonori.
Stratificazioni ombrose e gentili a dir poco splendide, come nel caso dell’iniziale Conceptual Experience Of The Body, intrisa di pastorali umori folk Eno, che divampa letteralmente sul contributo al violoncello di Alex Vatagin.
Che avanza e si propone, come diretta conseguenza, di una propulsione/espansione, del miglior suono Touch, reso infetto e contemporaneo da una serie di lancinanti insert strumentali, che sospingono il tutto in quota avant-noise, rilucente di neon ballardiani (i tremolii e le corde in tiro di Shane Parish in Pure, i reverse e gli sbrindellamenti della chitarra di Paolo Cantù e il violoncello di Francesco Guerri in Neurofeedback Radiations, l’esondazione sensoriale di Perceptual Experience Of The Body, con la batteria di Francesco Gregoretti, il basso di Angelo Bignamini e sounds analogico in addizione offerto da Tim Barnes, Daniel Mackenzie e Francesco Guerri, a condurci in una desolata landa urbana, non lontana dal tiro Supersilent).
In fluttuazione infinita con un leggero sentore di bruciato nelle narici.
Da manuale.

|Marco Carcasi|

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|Rockerilla|Ita

Ormai da anni, Attilio Novellino sta conducendo un proprio ellittico percorso espressivo, che lo vede cimentarsi nel soundscaping e nella manipolazione sonora, spaziando tra l’evanescenza di texture ambientali e concrete asperità di rumore post-industriale.
Di tale eterogeneo terreno di ricerca, “A Conscious Effort” appare una lucida sintesi, nella quale l’artista calabrese spazia con grande dimestichezza tra codici espressivi, assistito di volta in volta da collaboratori d’eccezione. Il violoncello di Alexander Vatagin e le robuste ritmiche di Tim Barnes lo assistono, tra gli altri, in un avvincente viaggio nella natura multiforme del suono.

|Raffaello Russo|

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|Krach Und So|De

Eines meiner “weniger prominenten” Lieblingsalben aus dem letzten Jahr, zu dem ich immer wieder zurückkomme und auf das ich daher auch unbedingt noch mal hinweisen möchte, ist “A Conscious Effort” von ATTILIO NOVELLINO, das in einer geringen Auflage recht schick aufgemacht über Midira Records erschien (und bis jetzt noch als LP erhältlich ist, also zuschlagen!).Der Italiener Attilio Novellino ist Multi-Instrumentalist mit besonderem Interesse an Soundscapes.
Die unter Mitwirkung von Gastmusikern entstandenen elf Tracks von “A Conscious Effort” bilden in ihrer Gänze eine faszinierende Klangreise durch sonore Ambient-Drone-Sphären mit gewisser
Wärme und kristallklare Soundflächen von futuristisch-technoider Aura, während am Wegesrand auch schon mal Industrial-/ Noise-Aspekte rauschen und knistern. Dann zwischendurch sogar auch noch ein brachial brummender Ausbruch in Richtung Drone-Doom mit jazziger Rhythmusgrundlage – das alles allerdings äußerst homogen verwoben.
Was auch die eigentliche Kunst an “A Conscious Effort” ist: ATTILIO NOVELLINO gelingt hier ein facettenreich-kurzweiliges Gesamtwerk zwischen Musik und Soundtüftelei, das trotz seiner Ausschläge in verschiedenste Richtungen von minimalistisch-elektronischem Ambient bis zum Doom-Jazz mit Band-Charakter eigentlich nie aus dem Rahmen fällt.
Ein wirklich sehr, sehr tolles Album, das nach wie vor immer wieder auf meinem Plattenteller landet!

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Through Glass|Lost Days

|Brainwashed|us

Novellino may be a relatively young artist in the world of minimalist sound, but these two distinct, but complimentary demonstrate that he is definitely not lacking experience or ability.  In both a long-form single piece and a series of shorter compositions, he balances both the static and the dynamic to excellent effect. Through Glass is more consistent with a traditional album structure, with a series of ten shorter, but quite diverse pieces.  The opening two, “A Footpath for Night Dancers” and “Sirens,” lead off on the slightly noisier end of the spectrum, with both mixing buzzing and feedback peaks, maintaining a sense of nuance.  The former’s more dissonant moments mask an understated, underlying melody, while the latter’s addition of pseudo-strings and an overall aquatic feel make it stand out. Pieces like the title track might not be quite as rough, but with delicate passages paired with digitally treated static, the balance between ugly and beautiful is ever shifting.  “Ex Butterfly” and “Her Red Shoes” are companion pieces that mostly stay away from dissonance entirely.  The former opens up with layers of panning and swelling tones that eventually soar into a dramatic, almost regal flourish before falling into “Her Red Shoes,” which brings in what sounds like guitar and an almost rhythmic low-end backing. In contrast, the single piece EP Lost Days stays on more of a singular course throughout its over 20 minute duration.  Initially an expansive drone that thickens and widens in power, eventually things become a vast, spacey expanse.  There is a slow, calm beauty throughout, with different colors, light and dark, blending and intertwining amongst each other.  The latter moments are where things begin to take a darker, more intense turn. While these two were released separately and at different times, both works complement each other nicely, demonstrating that, though he may have a relatively small discography thus far, Novellino can work in both long and short-form contexts.  While both are excellent, I did find myself drawn a bit more towards Through Glass because of its more diverse structure.  Both are exceptional, however, and I am expecting great things from subsequent releases.

|Creaig Dunton|

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Métaphysiques cannibales – Attilio Novellino/Collin McKelvey – 2018

TOP TEN EXPERIMENTAL 2018 – A Closer Listen

BEST ALBUM COVERS 2018 – A Closer Listen

Matteo Castro’s enigmatic cover collage is mysterious and alluring, defying definition while inspiring multiple speculations.  Who is the woman on the cover?  Is she obscured by her own intention, or by the intention of others?  What does her unusual posture signify?  Does she see herself against a dark background, or is this how others see her?  In like manner, Attilio Novellino and Collin McKelvey toy with expectations in their music, offering few places to catch a grip.  And yet, when absorbed as a whole, their music is beautiful and strange: just like the cover.

Musique concrète ages well due to its unusual internal mechanisms.  The moving parts make it hard to pin down.  Novellino & McKelvey’s LP sounds like a grandfather clock suffering from Tourette’s.  This extended work invites one to lean forward and listen to the gears.  Who knows what secrets may be revealed in the patterns one discerns?

|Richard Allen|

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|A Closer Listen|USA

Matteo Castro’s mysterious cover art draws us into the release.  We’re already curious; what kind of music will this be?  As the two side-long tracks unfold, they defy prediction by resisting trajectory.  The album is acoustic and electronic, live and processed, convex and concave.  There’s no telling what comes next: dialogue samples, feedback, sudden rhythms.  This makes Métaphysiques cannibales an exciting listening experience, inverting expectations yet somehow managing to cohere by the end.  The album invites multiple spins to make sure nothing has been missed; such is its ample diversity. Musique concrète is likely the best classification, although there’s a simpler way to regard the release: an imbrication of fascinating sounds.  Attilio Novellino & Collin McKelvey have been working together for a while now, and their work has achieved a noticeable sonic balance in that one cannot tell where the work of one composer ends and the other begins.  Some of their music is intensely musical, from dark ambient to electroacoustic drone to metallic industrial.  The end of Side A is reminiscent of old Test Dept.  But there’s also an element of found objects in the scraping and hitting, enough to say that if the duo is unable to find a suitable sound in their machines, they’re happy to invent it from scratch. Side B tones the percussion down early to concentrate on subterranean vibrations; but then those voices emerge again, along with stalactite drips.  The segment seems like a sponge impression of Side A, an impression created by fold.  By the midpoint, a mechanical rhythm has taken center stage, but is soon offset by irreverent pulses who refuse to follow their cue.  The same holds true for the chords that ignore the computerized beeps, insistent on setting their own tempo.  Eventually the patterns seem to notice each other and adapt accordingly.  It’s a busy place, but there’s room for everybody.  The final thwarting of expectation occurs at 14:24, as a surprising clunk ends the trance.  Everything resets ~ new sources, new patterns, new timbres, a clock shop in which the batteries have all gone faulty.  For thirty seconds, a drummer gets to drum.  Has he been waiting all this time?  Suddenly, it’s a rock album ~ and then it’s over in a receding hum.  The patch of percussion is a window into a different recording, rejected in order to make room for this one.  Its presence is crucial, as a musical reaction can only be understood if one first understands what it is reacting to.  This final artistic wink ties a bow around the bag of sounds, enabling the listener to perceive the intentionality behind what might otherwise have been perceived as random.

|Richard Allen|

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|Tone Shift|USA

This is my introduction to the work of duo Attilio Novellino & Collin McKelvey. Métaphysiques Cannibales (Kohlhaas; Vinyl/DL) was just released in limited edition this month, originally recorded between 2013-16 in San Francisco and Catanzaro, both cities by the sea. The striking photo collage artwork by Matteo Castro is stylish and evocative, but of what we will have to listen deeply, but alludes to an upended relationship with reality. Broken by it’s sides, this starts with Métaphysiques Cannibale I. With horns blaring, tribal drumming and quirky electronics there is reason for some concern. It gives off the feel of being on the sidelines of a parade where the engines are making way for colorful performers. The lopsided tones managed to juggle feedback, rewind and plenty of vexing sound effects. The cacophony is circulated and brought down low, into the hum of rattle and pulsating drone.Fidgety sounds, flutters and what could be a bulldozer moving boulders, are countered by typewriters, tiny buzzing, and a left to right channel (and back again) rat-a-tat.  The ending becomes an amalgamation of these things, adding a swooping synth that becomes an illusory backdrop. On Métaphysiques Cannibale II the mood shifts towards mystery, rather than outright action/performance. The drifting ambient piece loiters about, with drone and circumstance, of unknown consequence. The mystery deepens as walls may be torn down, though the samples infer actions (in memory) could they be referring to breaking out from internal walls? Radio voices enter, tuning into a space where the tapping away continues, though the banging becomes different percussive forms. The more layers added, the further ambiguous the sense of space becomes. A grinding guitar (?), a warped modulation of synthesizers and a growing atonal setting makes this a musique concrète fest in its ever-shifting of gears. It just churns away. And please, stay for the especially surprise ending. This is literally a ‘heavy’ record in all aspects, designed for those among us with discerning, serious ears.

|TJ Norris|

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|Dacaycast|Usa

My first instrument was not a guitar, piano, or computer—it was a space heater. I crawled up to it on my feeble haunches (so my parents recall), eyeing with skepticism the plastic cage holding its inner circuitry, and scraped a toy truck against its indifferent grooves. It was music, but not art; in a word, it was sound, yet without form.
Humans entertain themselves by forming patterns out of meaningless garbage, and the venerable Weird Ear imprint is almost religiously devoted to stripping those patterns back down to the garbage whence they came. No less ambitious is their latest platter of sonic sacrilege, Colin McKelvey & Attilio Novellino’s Metaphysiques Cannibales.
The anti-conceptual hodgepodge of musique concrete motifs is named after and perhaps inspired by a book of the same name by Eduardo Viveiros de Castro, a poststructural anthropologist who sought to reimagine the study as a revolutionary “decolonization of thought.” That’s a tall order, and no single record will get the job done, but McKelvey & Novellino’s mystical ballet of bleeps and bloops certainly gets the ball rolling.
As you may remember from your earliest toys—particularly from your realization that anything in your hands could be a toy—no melody is inherently happy or sad. No ritual carries inherent reward. It seems like only the Pavlovian training by authority figures can teach you, fragile caged pigeon that you are, can pair a major-key waltz with a sweet refreshing ice cream, or the somber diminished chord with a demonic possession. But is that really how it works?
Side A of this mindfuckery starts with the buzzing whiplash of factory-like rhythms, swirls into the void of a cosmic dentist’s drill, and fades into the spacious echoes of a zombie-ridden hospital morgue. Sources are obscured, and the arbitrary distinction between impact and intent implodes in a serene chaos.
Side B creeps into your consciousness with the whispers of a long-lost French interrogation recording, swallowed by the tinkering and thudding of a conch shell sceance. A molten fax machine emerges from the sludge of a forgotten video game organ dirge, and a scintillating synthesizer drone evokes Laurie Spiegel and Roedelius before sinking into a lonely abyss. The urgency of a broken dial-up connection is tempered by the ebb and flow of a chilling piano loop.
While the grating hiss of granular synthesis is typically the domain of futuristic computer music—you know, all those sweaty nerds coding in Max/MSP—here it gives the music a sense of being unimaginably ancient, like a mad scientist’s vision of the future whispered into a phonograph to pass the time while waiting for the brine to embalm a dead monarch.
“By always seeing the Same in the Other,” writes Castro, “by thinking that under the mask of the other it is always just ‘us’ contemplating ourselves, we end up complacently accepting a shortcut and an interest only in what is ‘of interest to us’—ourselves.”
Indeed, the image we see of ourselves in this record is a terrifying one, and not seeing yourself reflected is a “don’t think of an elephant”-esque impossibility. We’re tragically vain, capricious, greedy yet wasteful, hungry to build something meaningful out of heaps of trash we never wanted in the first place.
If you’re ready to sweat through your nightmares and wake up more confused than ever, this is a record worth adding to your trash-heap.

|Diego Aguilar-Canabal|
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|Chain D.L.K.|Usa

This new release by Attilio Novellino and Collin McKelvey takes its title by the essay by the anthropologist Eduardo Viveiros de Castro which seems based around the concept that, for fully understand another culture, it’s necessary not to see it behind the screen of western culture. So, it’s understandable the liner notes claim that “sound organization is here conceived as both as a apparatus of creation and a practice of knowledge” i.e., it’s not derived by an abstract system but it’s closer to a physical exploration.
This release is divided in two parts: the first one, “Métaphysiques cannibales I”, starts quietly with the juxtaposition of pulsating sinewaves in the background and various noises in the foreground, then the track evolves alternating moments where the noises generate a sound field reminiscent of the city’s background noise to more static one where the drone acts as a moment of rest during a long journey. Those sense for path planning escapes the dull accumulation of samples for fake complexity.
The second one “Métaphysiques cannibales II” is instead a subtler track starting with a quiet and almost inaudible drone which slowly introduces other drones until at half his length this framework is repeated with noisier elements as a study for sonic accumulation.
A well developed release where a narrative sense removes that patina of self indulgent experimentation which is ejectable for the fans of the genre. It’s really worth more than a listen to fully appreciate it.

|Andrea Piran|

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|So What|Ita

Disconnettersi da logiche consolidate per recuperare possibilità inibite, proiettarsi verso territori in cui tutto si fonde liberamente trovando punti inattesi di connessione. Muove da presupposti ambiziosi sostenuti con profonda convinzione la nuova collaborazione tra Attilio Novellino e Collin McKelvey, concretizzandosi in due atti narrativi la cui fonte d’ispirazione, esplicitata nella scelta del titolo del lavoro, è da rintracciare nel superamento di rigide strutture derivanti da abituali processi cognitivi. Attraverso un’intricata combinazione e manipolazione di trame acustiche e frequenze elettroniche i due musicisti costruiscono un vorticoso flusso dall’incedere irregolare le cui varie componenti generano brevi tracciati estremamente diversificati che emergono e si sviluppano per essere destrutturati e sostituiti da quelli successivi. Seguendo un processo compositivo fondato sulla suggestione e sulla libera associazione si alternano ribollenti modulazioni sintetiche e placide derive viscose dall’eco grave, marcate pulsazioni ritmiche pervase da un’aura ancestrale e granulose spirali deflagranti, senza che alcuna delle parti giunga ad essere dominante. Ciascun frammento trova la propria dimensione ed estensione contribuendo alla realizzazione di un dominio caleidoscopico capace di coniugare istinto e ragione alla ricerca di una feconda sintesi di lessici non più in antitesi, un connubio affascinante che trova efficace corrispondenza visiva nella copertina saturata dalla accattivante opera di Matteo Castro.

|Peppe Trotta|

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|Kathodik|Ita

Due tracce, Métaphysiques Cannibales I e Métaphysiques Cannibales II di intensa e distesa musica elettronica (che non esclude l’intervento di strumenti acustici). Intrecci sonori profondi amalgamati da droni ritmici che pulsano e dileguano in quello successivo; paesaggi sonori onirici e avvolgenti creati da processi di generazione, sintesi ed edizione del suono tipici della musique concrète. Il tutto sembra voler carpire i segreti di una percezione acustica decentrata in base al principio filosofico della “permanente decolonizzazione del pensiero” elaborato da Eduardo Viveiros de Castro. L’obiettivo dichiarato è sovvertire le strutture dei processi cognitivi abituali. Esperimento apprezzabile, per quanto la sovversione sia un’impresa assai – spesso eccessivamente – ambiziosa.

|A.G. Bertinetto|

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Noise Not Music|Usa

Attilio Novellino and Collin McKelvey come together once again to create an ambitious album of disjoint electronic collages. Metaphysiques Cannibales, their second collaborative release after their Hypehunt split series cassette, is a haphazard amalgam of an impressive range of sounds. The pair utilizes granular synthesis and other techniques to process instruments, tape recordings, and synthesizers, creating cryptic and complex sonic mixtures. Overlooking the insufferably pretentious description of these processes on the album’s Bandcamp page, the results materialize in truly unexpected and amazing ways. Part I begins with cut up stutter-steps of noisy contortions and travels through a whirlwind of unpredictable maneuvers before culminating in a beautiful ambient passage, whose unceremonious disintegration ends the piece. Part II is more subtle, building from foggy synth frequencies to lethargic, swirling frequencies that lift to reveal mechanical recordings and a distant speech sample. The conclusion of this part is my favorite part of the record, and sees distorted keyboard chords battling with oscillating noises and disturbing background sounds that resemble the gurgles of some horrible monster. I don’t think Metaphysiques Cannibales is as complex as the creators and/or label think, but it’s definitely incredible and is one of the most fulfilling releases I’ve heard this year.

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Hypehunt – Attilio Novellino/Collin McKelvey – 2017

|Sodapop|Ita

La Split Series della Random Numbers nasce con l’intento di documentare su nastro la scena italiana più sperimentale. Questo quinto volume, quello di chiusura, ci saluta infrangendo le regole e aprendosi al futuro: non si tratta infatti di uno split bensì di una collaborazione che chiama oltretutto in causa un ospite straniero, l’americano Collin McKelvey, che con Attilio Novellino ha già collaborato in due occasioni. Hypehunt ha la forma di una lunga sinfonia (spartita fra le due facciate) che, combinando con cura strumenti acustici, elettronica analogica e digitale  e suoni trovati, fa perdere loro ogni connotazione originaria, ponendoli come puro suono.  Conseguenza ovvia è la dissoluzione dell’idea di genere nel rapido e continuo mutare di riferimenti e atmosfere: dopo le cupezze sintetiche che aprono il lavoro, è tutto un rincorrersi di ritmi serrati e discontinui intessuti da concretismi ad alto coefficiente di realtà (come una rilettura critica del suono Warp dei ‘90), synth impegnati in ripetizioni dal sapore minimalista, crescendo ambientali, battiti techno sparati come laser,  voci spettrali e sintetizzatori non meno eterei, solo per citare i momenti che maggiormente mi hanno colpito. Eppure, in questo vagare apparentemente eccessivo, non ci si perde mai: i musicisti hanno saldamente il controllo della materia sonora, amministrata in particolare attraverso gli elementi ritmici – beat e cadenze – che ordinano e rendono misurabile la composizione. L’emotività è bandita a favore di una lucidità che quasi cinicamente evoca, rielabora e lascia alla deriva, una volta utilizzate, le varie parti, all’insegna di una bulimia che  sembra testimoniare l’urgenza di sperimentare tutto prima che la fine arrivi, così da poter ripartire senza fardelli. Hypehunt non dà soluzioni, pone invece molte domande: sulla natura dei suoni, sulla convivenza fra i generi e sul loro valore (anche nel campo della musica di ricerca), sull’evoluzione sonora in rapporto al tempo e allo spazio. Davvero non poteva esserci miglior finale di serie.

|Emiliano Zanotti|

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|SentireAscoltare|Ita

[…]un prodotto di grande suggestione, che si fonda su oscuri e cupi tappeti dronici, suoni modulari e sintetici pungenti, capace di alternare ritmi frenetici a distese ambientali.

Luigi Lupo

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|SoWhat|Ita

Frammenti materici e oblique frequenze combinate seguendo algoritmi irregolari che mutuano il proprio schema dallo scontro frenetico di velocità contrastanti. Riflette la costante tensione generata dal contatto tra modi differenti di abbandonarsi al flusso temporale il primo dei due atti collaborativi che vedono uniti Attilio Novellino e Collin McKelvey. Nato come quinto e conclusivo atto della Random Numbers Split Series, “Hyperhunt” ne modifica l’istanza principale tramutando l’abituale accostamento tra due diversi autori in pieno sodalizio volto alla creazione di una creazione unitaria.

È un tracciato dalla struttura complessa ed in costante mutazione quello che accoglie la pulsante sequenza di stille sonore dall’origine variegata, una convulsa spirale che ripetutamente accelera/decelera accostando piani paralleli, sovrapponibili ma mai coincidenti. L’utilizzo di questa accurata stratificazione, che si avvale dell’utilizzo di diverse tecniche di composizione e assemblaggio, conferisce all’incedere un andamento costantemente disorientante capace di alternare oscure ed atmosferiche distese ambientali a frenetiche progressioni ritmiche interpolate da abrasive scariche sintetiche. Ne risulta un ambiente vorticoso fatto di caleidoscopiche visioni immerse in un’atmosfera coesa che funge da perfetto collante di un lavoro profondamente suggestivo e pienamente compiuto.

Cinetiche derive postmoderne.

|Peppe Trotta|

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|Sherwood.it|Ita

Usiamo il vecchio titolo di un altrettanto anziana release su vinile firmata Bauhaus (Beggars Banquet 1982) non certo per disquisire sulle cassette audio ma sul loro contenuto. Esistono fin troppi personaggi che devono mantenere alto il loro numero di like postando inutili dichiarazioni sulla materia, veri fenomeni forse un tempo penisolamente famosi che ora arrancano cercando una visibilità che va scemando al pari della loro creatività. Asserire che l’uso della cassetta è pura moda, che già al tempo non se ne poteva più del nastro che si accartocciava, inveire contro la sua resa sonora, significa non aver capito una virgola magnetica dell’oggetto in questione. Il suono che fuoriesce dal nastro è pura melodia comunque, è la voce di un nastro dal colore inconfondibile che scorre attraverso due testine, è leggero noise irrinunciabile, morbido carpet sul quale poter dipingere i propri esperimenti sonori. Inoltre, visto che non tutti sono abbienti, il costo di produzione di una cassetta è assai più vantaggioso di quello di un cd e, guarda caso, gran parte delle produzioni in cassetta sono ideate e destinate ad un pubblico che non può permettersi grandi spese. Lasciamo quindi sospesi sopra quel diaframma polemico oramai logoro questi detrattori e passiamo alla cosa più importante, l’ascolto.
Il salto temporale è decisamente notevole, si passa dagli anni ‘80 allo sperimentalismo elettronico di ultima generazione. Un divario sano da affrontare, che aiuta la mente a mantenere elasticità e voglia di conoscenza.
Random Numbers è un collettivo artistico di Bologna che pubblica una serie di produzioni split su cassetta, releases che puntano alla diffusione del suono elettronico più marcatamente sperimentale. In questa quinta release ritroviamo Attilio Novellino, stimato sperimentatore italiano che si confronta con il meno conosciuto Collin McKelvey, un americano titolare di svariate sigle artistiche in campo elettronico. Nelle altre produzioni i sound artists di turno si dividevano le sides, qui ciò non avviene, l’interscambio è totale per tutti i 50 minuti della durata.
Una cassetta contenente materiale che la maggioranza degli ascoltatori definirebbe difficile, troppo complesso, inascoltabile, il classico risultato della paura. Paura che obbliga la propria visuale musicale all’interno di un’area ad alta frequentazione ma a bassissima frequenza di stimoli. Un ascolto abituato ai pic-nic nelle zone adibite a parco pubblico, senza osare oltrepassare la staccionata che le delimita. Novellino/McKelvey, cinquanta minuti di regale viaggio attraverso la contemporaneità del suono, sommo generatore di immagini libere da interpretazione. Un percorso che inizia e procede con circospezione, rallenta e si guarda intorno, raccoglie le informazioni e le analizza in un continuo dialogo uomo macchina. Il linguaggio è criptico ma traducibile: si ricerca una via, una nuova modalità espressiva che man mano prenda forma e si sviluppi, cresca e raggiunga stabilità, espandendosi in una montante e universale danza che usi un linguaggio sonico antico e concreto. HYPE HUNTERS.

|Mirco Salvadori|

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|The New Noise|Ita

Questo è l’ultimo di una serie di cinque split coi quali il collettivo “elettronico” bolognese Random Numbers ha fatto il tentativo di dare uno spaccato della scena “sperimentale” italiana: i nomi già apparsi sono Healing Force Project, Massimo Carozzi, Somec, il nostro beniamino Von Tesla, Gattobus, Bartolomeo Sailer, Mudwise, Voltair. Questa puntata ha due particolarità: non è 100% italiana, è collaborativa. Di (e con) Attilio Novellino abbiamo già parlato molto, mentre non si sa nulla – o quasi – di Collin McKelvey, americano, con studi artistici e approccio multidisciplinare, noto anche come Orbless (progetto solista basato su synth e field recordings).

Questo split si intitola Hypehunt e, a leggere il comunicato di Random Numbers, nasce dal chiedersi se seguire le tendenze dominanti in campo musicale sia una scelta reale o una sorta di conformismo dettato da ragioni di sopravvivenza. Dal punto di vista del “processo”, ci viene detto che in ballo ci sono diversi mezzi e diverse tecniche di composizione, quindi strumenti acustici, sintetizzatori e field recordings cuciti insieme sia attraverso vecchie soluzioni analogiche, sia attraverso software, per un lavoro che di “hype” non ha assolutamente nulla: siamo di fronte a un collage piuttosto libero, composto da frammenti, probabilmente passati attraverso mille filtri, che in qualche modo – tra vuoti e sbalzi improvvisi – fanno un giro di giostra insieme (a due a due o a tre a tre) per qualche tempo. È impossibile assegnare un genere ad Hypehunt, il che potrebbe essere una cosa meravigliosa, ed è difficile pensare che ci sia un piano dettagliato dietro: sembra che Novellino e McKelvey si siano scambiati materiale e lo abbiano ri-elaborato a briglia abbastanza sciolta. Ogni tanto appaiono degli spezzoni che possono essere attribuiti all’italiano (certe parti più drone e morbide), ma vengono subito coperti da altri, spesso più dark e taglienti. Volendo forzare, Hypehunt è “noise”, perché dentro di sé pare avere elementi di casualità o improvvisazione e sembra volutamente essere altro da un qualsivoglia stile (magari ne frulla tanti nello stesso contenitore). Si tratta di un lavoro che potrebbe generare qualcosa di nuovo, che ancora però non c’è

|Emiliano Grigis|

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Quadrature Compilation – Novellino/Drekka/Balestrazzi/Mazzon – 2017

|Sodapop|Ita

Si raffina con gli anni il concetto di compilation, da sempre un tipo di uscita caro ad Under My Bed: l’etichetta di Stefano Santabarbara (My Dear Killer) questa volta “si limita” a quattro (lunghi) brani per quattro musicisti, scegliendo come autori degli autentici pezzi da novanta (nella mia personale classifica e spero anche nella vostra), tirando così fuori dal cilindro una cassetta davvero notevole. Si inizia con Attilio Novellino che con chitarre ed elettronica compone un pezzo bilanciato tra crescendo e momenti più dilatati: ci trovo echi di shoegaze e del postrock più emotivo, ma tutto elaborato con il suo stile personale che non può non coinvolgere chi ascolta con i suoi paesaggi sonori velati di malinconia. A chiudere il lato A c’è Drekka che con una frase di piano e qualche field recordings ci regala una decina di minuti di lenta e superlativa disperazione: fare così bene con così poco materiale a disposizione è la classica cosa che sembra semplice ma… non lo è. Di Simon Balestrazzi si parla spesso su queste pagine date le sue frequenti pubblicazioni con cui arricchisce una tanto interessante quanto ormai sterminata discografia: il brano con cui si presenta qui non tradisce le attese ondeggiando lento e ipnotico tra alte frequenze, folate di droni e suoni vari, una perfetta colonna sonora notturna per nulla rassicurante. Il finale è lasciato al momento più rumoroso del lotto con Ennio Mazzon alle prese con suoni di synth misti a fischi e ronzii per una vera epifania sonora, ipnotica e coinvolgente, pezzo davvero catartico: quando parte anche la ritmica è travolgente al limite della trance. Tre quarti d’ora di musica di assoluta qualità, quattro nomi diversi tra loro ma che in qualche modo si amalgamano magicamente in una delle uscite che mi hanno più entusiasmato nell’ultimo periodo: grafica e serigrafia accattivanti nonché l’edizione limitata rendono come al solito il tutto ancor più intrigante per i feticisti del formato fisico.

|Emiliano Grigis|

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|So What|Ita

Alla deriva,  in balia di un inconscio denso di placida inquietudine. Generato dall’accostamento di un singolo contributo dei suoi quattro autori, “Quadrature” costruisce un dilatato flusso pervaso da un persistente senso di straniamento, un caleidoscopico viaggio attraverso paesaggi cangianti plasmati utilizzando lessici differenti eppure affini. Under A Sea of Benzodiazepines/Sping Rain, Indian Summer. Traiettorie scabrose che tagliano obliquamente fitte nebbie lisergiche dischiudono un universo distorto fatto di colori violenti. I ruvidi riverberi della chitarra di Attilio Novellino, generando claustrofobiche spirali, incidono solchi profondi che si riversano come tracce indelebili riaffioranti nell’algido soffio dal quale emergono le essenziali partiture pianistiche di Drekka. Il delirio allucinato così gradualmente si scioglie in sinuose persistenze  venate di echi spettrali. Red Square On A White Field/Omen Discord. Tutto diviene profondamente tattile, l’abbandono onirico vira verso oscuri tracciati organici colmi di frammenti ribollenti cesellati con chirurgica precisione da Simon Balestrazzi. Il tono permane soffuso, sotterraneo fin quando infine esplode l’incubo dissonante delle abrasive trame di Ennio Mazzon che con il loro incedere ossessivamente pressante chiudono tumultuosamente questa sfaccettata immersione in un immaginifico sogno lucido.

|Peppe Trotta|

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|Sherwood.it|Ita

Premo il tasto play così come apro la pagina di un libro, una di quelle preziose edizioni a tiratura limitata che contengono brevi raccolte di testi poetici. So che gli autori che andrò ad incontrare avranno la forza di suggerirmi nuovi schemi di lettura ispirati dalle diverse scuole di pensiero che li hanno comunque condotti tutti in questo ricovero stretto e lungo, sorvegliato da due cilindrici portali capaci di creare suono, una volta chiusi. Ed ora eccomi qui, immerso nella lettura di queste pagine firmate Attilio Novellino, Drekka, Simon Balestrazzi ed Ennio Mazzon.
Il prologo è a dir poco maestoso, l’Attilio Novellino che più amo, capace di una poetica digitale che sa unire il vecchio verbo elettrico inserito all’interno di un circuito sonico futuribile nel quale il noise va a scontrarsi contro la massa morbida dei droni, creando deflagrazioni un tempo – qualche secolo addietro – definite romantiche. La negazione della melodia che riporta alla melodia, matrice e madre. L’americano Michael Anderson in arte Drekka, sulle scene dalla fine degli anni 80, scioglie ulteriormente il nodo che ci lega alla purezza digitale trasportandoci nell’universo del suono neo-contemporaneo. Dieci intensi minuti nei quali vagabondare lungo le poco frequentate strade del ricordo. Spring rain indian summer è un invito a frenare la corsa, sedersi davanti una birra adagiandosi sul racconto di un pianoforte che dialoga con il respiro costante della metropoli e della pioggia che lenta l’avvolge. Simon Balestrazzi ci risveglia riportando il nostro ascolto lontano mille miglia, ci trascina nel territorio indefinito dell’assenza di peso, lo spazio che non ha riferimenti, un luogo nel quale ci si orienta seguendo il brusio creato dal respiro delle macchine. Un profondo bianco accecante dentro il quale pulsa continuo il battito possente delle sensazioni che prendono vita grazie alla mancanza della vista. Gli occhi non distinguono più i contorni ma l’udito si affina e scorge lontani approdi, silenziose isole di calma luminescente elettricità alla deriva nell’interattiva. E’ virtuale calma apparente. Ad Ennio Mazzon il compito di chiudere questa serie di racconti con l’irruenza del noise che sposa la purezza della ricerca in un continuo rimando che tende al divenire. Innesti ciclici di particelle di antica provenienza iterativa, segnali instabili di sedimentazioni sinfoniche downlodate un secondo esatto prima del crash finale.

|Mirco Salvadori|

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|Vital Weekly|ne

This is the 50th release by Under My Bed Recordings and for this little celebration they gathered four people together, each delivering ten minutes of music. The title, so I read, “stems from a common detection technique of an electrical waveform, in which a contributed signal which is in phase, orthogonally can be separated and monitored simultaneously”. Right. All of these musicians have found earlier on their work reviewed in these pages, some more than others. In some way or another all four of them play music that can be stamped with the words ‘atmospheric’ or ‘drone’. Drekka for
instance keeps his drones to the background, mainly hiss, field recordings of wind and such like, but on top plays around with sparse piano tones. It is not exactly standard drone music, but nevertheless highly atmospheric. Simon Balestrazzi, of Tomografia Assiale Computerizzata fame, opts for more radical, digital buzz in your ear, but over the course of ten minutes there is a lot going on; again field recordings, of course I’d say, but also the plucking of guitar strings and that seems to me the instruments Attilio Novellino uses more extremely in his opening piece, along with rhythm, bowed strings and much use of sound effects. It links perfectly with the second piece on the second side, by
Ennio Mazzon (one half of Zbeen; his favourite colour is #e628ab. Good to know, of course) which seems devoid of any instruments that we can recognize and quite the heavy slab of computer noise. In it’s own way atmospheric but you need to be a bit spiked for it, I guess.

|Frans Dee Waard|

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Objects In Mirrors Are Closer Than They Appear – Novellino/Rosi/Mazurek/Barnes – 2014

|The Out Door|us

The conceptual complexity of Objects In Mirror Are Closer Than They Appear is so rich you can hear it in the first moment. As Attilio Novellino explains below, the process that he and Saverio Rosi used to concoct these two entrancing pieces developed in three separate steps, and each one added a substantial layer of motion and texture. Sometimes when multiple creative minds meet for this kind of project, the whole can seem to blur the parts, but in this case everything you might expect from these four thoughtful players is right there to be clearly heard. Equally impressive is the way Novellino and Rosi edit their myriad sources in a way that consistently surprises, and resolutely refuses to settle. There’s patience in these sounds for sure, but we never get the kind of rote stretches of inert minimalism that collaborations like this can often fall prey to. This pair knows, to a near-psychic level, exactly when to let things go and exactly when to make things happen, splitting the difference between patience and activity uncannily. Which puts Objects In Mirror somewhere between masterful electronic collage and natural acoustic alchemy, a somewhere I would like to stay for a while.

|Marc Masters|

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|Blow up#198|it

Attilio Novellino (organo elettrico, synth modulare, basso ed elettronica), Saverio Rosi (organo, chitarra, synth analogico ed elettronica), Rob Mazurek(Cornetta ed elettronica), Tim Barnes( batteria e percussioni), hanno campionato suoni delle macchine di un’antica fabbrica tessile di Catanzaro, li hanno decomposti e ricomposti a computer e poi li hanno usati come base di partenza per due tracce di elettroacustica dalla pura ispirazione industrial/jazz: rumorismi modulati e modellati, inserti di strumenti acustici, digressioni improv. Un’operazione sulla carta “tradizionale” ma in realtà molto meno prevedibile di quanto si sarebbe portati a credere perchè l’idea di tenere in perfetto equilibrio le diverse parti fa sì che Objects e Mirrors non suonino affatto come te le aspetteresti: le scansioni aritmiche e i rumorismi di marca industrial trovano una sponda “poetica e umana” nell’evocativa cornetta di Mazurek, quest’ultima si adagia sottile sulle tessiture elettroniche, le percussioni si camuffano nel resto e l’insieme perde forme esatte per vivere in una dimensione di mezzo dalla potenza evocativa notevolissima. Bravi Novellino e Rosi personalmente e a coinvolgere due nomi d’eccezione come quelli di Barnes e Mazurek: solo 250 copie stampate ma ne vale veramente la pena.

|Stefano Isidoro Bianchi|

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|Neural|it

Before listening to Objects In Mirror Are Closer Than They Appear, we first enjoyed the stylish and original artwork accompanying this release, including the shiny all-black CD, replete with grooves emulating the tracks on a vinyl record. The record is a collaborative project of Attilio Novellino, Saverio Rosi, Rob Mazurek and Tim Barnes. Here Novellino and Rosi, who in the past have operated under the moniker Sentimental Machines, worked together to recover instruments from the Lanificio Leo factory, using the old industrial textile machines to produce found sounds. The samples taken were used as raw material, with contributions added by Mazurek and Barnes, two musicians who come from areas linked to free form, experimentation and electroacoustic composition. The result functions like a classical quartet, where each musical element demands equal weight and importance. At the same time, the sound evokes a magical atmosphere, steeped in resonances of jazz, avant-garde, electronics and ambient sound. The combination of both analogue and digital instruments, coupled with field recordings and samples of various origins, always produces interesting results, provided the approach is not too heavy-handed. The project also features organs, guitars, treated basses and modular synthesizers and receivers. We’d like to imagine that an album with such a broad repertoire could appeal to a variety of audiences, perhaps even providing a gateway for particular genre aficionados – jazz enthusiasts for example – to approach more experimental production using electronics. This was a really enjoyable listen, full of interesting ideas, extremely refined and well executed.

Subito dopo aver apprezzato l’artwork davvero elegante ed originale, comprensivo di un cd tutto nero e che emula i solchi delle tracce in vinile, abbiamo iniziato l’ascolto di Objects In Mirror Are Closer Than They Appear, un progetto collaborativo di Attilio Novellino, Saverio Rosi, Rob Mazurek e Tim Barnes. Novellino e Rosi – che da tempo operano anche sotto il moniker Sentimental Machines – insieme avevano già lavorato al recupero del Lanificio Leo di Soveria Mannelli (Catanzaro), utilizzando le antiche macchine industriali al fine d’estrarne specifiche sonorità. I campionamenti effettuati sono stati usati come materia grezza alla quale aggiungere poi gli apporti di Mazurek e Barnes, musicisti che vengono da ambiti più legati alla sperimentazione free form e all’elettroacustica. Com’è logico, il tutto ha funzionato come un vero e proprio quartetto, dove ognuno degli elementi merita pari dignità e importanza, risuonando di magiche atmosfere, intrise di jazz, avanguardia, contaminazioni elettroniche e ambient. La combinazione di strumenti sia analogici che digitali con field recording e sample vari è sempre origine di risultati interessanti quando non abusata negli sperimentalismi e quando il virtuosismo strumentale è tenuto al guinzaglio. Così può apparire scontata la riuscita dell’operazione – che prevede anche organi, chitarre, bassi trattati e sintetizzatori modulari – se perfino la dorata cornetta di Mazurek fa la sua comparsa oculatamente. Un album del genere, almeno ci piace immaginarlo, potrebbe essere apprezzato da pubblici differenti ricucendo quegli steccati stilistici che impediscono a chi oggi ascolta jazz – per esempio – d’avvicinarsi a produzioni più sperimentali di taglio ambientale ed elettronico. Comunque un’uscita godibilissima all’ascolto, ricca di spunti interessanti e dal crogiolo d’elementi quanto mai raffinato e curato.

|Aurelio Cianciotta|

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|Something Else!|us

Italian multi-instrumentalists and sound artists Attilio Novellino and Saverio Rosi make musique concrète from field recordings and combine them with both analog and digital instruments and electronic twiddling. The electro-acoustic arena has many participants but even on this musical frontier, these guys are innovative. For their latest project Objects In Mirror Are Closer Than They Appear (November 15, 2014, Discreet Records), they conducted their field recording session at a still-active 19th century textile factory in southern Italy, picking up the sounds of machinery dating from well more than a century ago, processed the samples into two long-form pieces and added guitar, organ, bass, synthesizers and electronic effects to finish it off. Well, not quite finished. The crowning touch was to fuse all this with the tactical contributions of experimental specialists Tim Barnes (drums/percussion) and Rob Mazurek (cornet/electronics). Objects, therefore, isn’t really about melody and rhythm: drones, random clatter, mechanical abrasions and ambient textures dominate from electronic and acoustic sources equally blended, mutated, looped and processed into a creamy sonic milkshake. Mazurek’s cornet appears sparingly, making its appearances all the more prominent. He reels off some opening expressions at the start of “Objects” before Novellino and Rosi’s industrial hissing and humming take over. Barnes’ shuffling about enters at around the four and a half minute mark and for probably the only time on this album a riff — just two chords back and forth — emerges. A short time later, Mazurek improvises playfully over that until static overwhelms this riff, followed by several episodes of heavily modified textile machinery. Finally, the cornet reappears in mutated form to end the “Objects” track. “Mirrors” continues with more odd concoctions of sonic experimentation (Mazurek’s cornet is heavily sliced up nearly beyond recognition at the midpoint of this track), and then Mazurek is dubbed over himself later on. Toward the end, Mazurek makes abstract jazz remarks amid buzzy and pesky electro jabs. It epitomizes the pushing back against the very technology we embrace. The battle ends with an inconclusive, abrupt stop, leaving the listener with the conclusion unresolved. Perhaps, that’s the point of it all. Electro-acoustic music is a deliberate mashing together of two worlds that are in opposition to each other, and creative sparks result from that. It might not always make for the most harmonious sounds, but it can be so fascinating. It certainly is when Attilio Novellino, Saverio Rosi, Tim Barnes and Rob Mazurek pool their ideas together.

|S. Victor Aaron|

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|ATTN:Magazine|eng

The basis of Objects In Mirror… is a set of field recordings made by Rosi and Novellino at Lanificio Leo: an active woollen mill founded back in 1873 in Calabria, Italy. The mill appears to me like an unmade jigsaw puzzle, with isolated portions of mechanism (collisions between weathered metal and slack old cord, ungainly rotary motion, blocks of wood dropping upon a hard floor) scattered between blotches of abstraction (electronics glitching like half-broken laser displays, noise misshapen and distorted as though played on a busted VHS cassette, Rob Mazurek’s wistfully oblivious babbling cornet). As a listening experience, it’s a daisy chain of jolt and contrast. One second I’m squinting at a synthesiser tone that tries to communicate in flashbulb pulses, the next I’m tasting dry flint and running rubble directly across my teeth. Sound is both a solid material and a shapeless trail of thought.
I take two very separate listens. One to swipe at individual details like a butterfly catcher, the other to feel my place within the architecture of the pieces as a whole. During the second instance, I think of those films where space shuttle cockpits start flashing and wail in a myriad of urgent patterns, alerting me to an emergency that I don’t understand. At other points I’m at the foot of a strange corridor, with walls bulging and disappearing without warning, or plummeting through holes that occur when a slight scuff of electronic glitch starts to rip and worsen. I run my fingers across surfaces that comprise of thousands of little bumps eroded cymbals, warm patches of drone carpet, globules of chalk and well-rusted metal plates. The places are both real and dreamlike; loaded with history and devoid of history, drawing attention to time decay while craftily turning the clocks back and forth when I’m not looking.

|Jack Chuter|

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|Vital Weekly|ne

Attilio Novellino and Saverio Rosi are soundartists from Italy. They joined forces on several projects in the past, some of them released by Discreet Records. A label and network for experimental, electronic and improvised music, they started in 2013. At the basis of their new project are field recordings from the wooden mill “Lanificio Leo”, the oldest textile factory active in Calabria, Italy. The sounds come from machines from the late 19th century. The recordings were sampled, processed, etc. by Novellino and Rosi. Also sounds of other origin and instruments (guitar, organ, bass, synthesizers) were added. The two lengthy electro-acoustic pieces that resulted both had rhythmic and droning qualities that asked for supplementing additions in order to complete the works. So their work served as a departing point for Rob Mazurek (cornet, electronics) and Tim Barnes (drums, percussion). The trumpet contributions are easy to detect, the percussive additions by Barnes however are more difficult to trace. I expected the music to be very rhythmic as the original sounds come from machines, but this is not the case. We hear drones with a beat sometimes deep inside, or abstract sound textures from well-balanced input by acoustic and electronic sources. Just two excellent and extensive journeys in the world of sound.

|D.M.|

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|The New Noise|it

Ha molto a che vedere con abbandono e persistenza memoriale, e con le rispettive poetiche di riferimento, questo nuovo lavoro di Attilio Novellino, ascrivibile però ad un vero e proprio quartetto, per quanto eterogeneo. Ad accompagnare il nostro l’ormai fisso sodale Saverio Rosi, con cui condivide l’esperienza Sentimental Machines, e due personaggi che apparentemente poco hanno a che fare col mondo del soundscaping e dell’elettronica, ma molto con quello della sperimentazione e della improvvisazione, come Rob Mazurek (qui alla cornetta) e Tim Barnes (a percussioni e oggetti). Tutto parte dal recupero che Novellino e Rosi hanno escogitato coi suoni delle macchine del Lanificio Leo di Soveria Mannelli (Catanzaro), fondato nel 1873 e, come da press, “la più antica fabbrica tessile attiva in Calabria” e “uno dei casi più significativi di azienda-museo presenti nella penisola”. I suoni dei macchinari industriali dell’ormai museo, campionati e processati, prima di essere ricomposti, costituiscono l’ossatura dell’album su cui gli interventi dei due “ospiti” – virgolettati, poiché totalmente inseriti all’interno del flusso, quasi si trattasse di un vero e proprio quartetto affiatato e non di collaborazione a distanza – e il prezioso lavoro compiuto dai due sound artist calabresi con l’utilizzo di sintetizzatori modulari, organi, chitarre e bassi trattati fanno di Objects In Mirror Are Closer Than They Appear un disco estremamente poetico, in cui la collisione tra lo stridore meccanico e industriale ben si sposa con gli interventi lirici e visionari degli ospiti, pronti a elaborare fugaci astrazioni, fantasmatiche atmosfere, deliqui ossianici e contrappunti malinconici in un continuo incontro/scontro tra il freddo delle macchine e il calore umano della forza lavoro. Una presenza che sembra continuare ad aleggiare tra il clangore degli ingranaggi e che viene perfettamente resa da un interplay “oppositivo” che fa delle due lunghe suite (“Objects” e “Mirror”) che occupano le due facce del vinile una vivida testimonianza della persistenza memoriale dell’archeologia industriale nostrana meno nota, oltre che della bontà, anche concettuale, del lavoro di Novellino e Rosi.

|Stefano Pifferi|

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Facebook Review

Nella struttura di “Objects in mirror are closer than they appear” (vinile o download per Discreet Records) sono nascosti ritmi e sonorità ricavate dai macchinari della più antica fabbrica di manufatti tessili della Calabria, fondata nel 1873. Suoni di archeologia industriale che Attilio Novellino e Saverio Rosi processano e incrementano utilizzando strumentazione analogica e digitale, arricchendo poi le due lunghe tracce coi contributi di due personaggi di primo piano della scena improvvisativa radicale quali Rob Mazurek (cornetta) e Tim Barnes (percussioni), Ne scaturisce un lavoro felicemente anomalo, che coniuga field recording, ambient radicale e improvvisazione eludendo le situazioni più prevedibili per ciascun genere. Il mood è pensoso e rarefatto, un tantino sinistro, suoni che si rincorrono nella fabbrica vuota, fantasmi di operaie in lunghi camici appaiono e scompaiono, macchine dalle lunghe dita scheletriche che improvvisamente si mettono in funzione… Il tipo di album che avrei certamente selezionato, se ancora scrivessi recensioni per qualche rivista (non mi sono pentito di essere uscito dalla mischia, e poi se ho nostalgia posso sempre farlo qui “in privato”).

|Vittore Baroni|

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|Rockerilla(web)|it

Attilio Novellino e Saverio Rosi hanno vinto un prestigioso premio internazionale (PIARS – Sonic Arts Award) convincendo luminari del calibro di David Toop, Gunter Muller e Rhodri Davies. Il fatto che siano ormai entrati nel circuito che conta lo dimostra anche il loro nuovo LP diviso con due giganti come Rob Mazurek (Chicago Underground Orchestra) e Tim Barnes (The Tower Recordings). I suoni di una vecchissima fabbrica tessile in provincia di Cosenza (il Lanificio Leo a Soveria Mannelli) sono lo spunto per riempire due facce di un bell’LP con improvvisazioni che mescolano avanguardia colta, jazz, rock cosmico e ambient. Maestoso.

|Roberto Mandolini|

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|Distorsioni|it

Nell’agosto del 2013, Attilio Novellino e Saverio Rosi hanno effettuato una serie di registrazioni ambientali presso una delle più antiche e suggestive fabbriche/museo presenti in Italia, il Lanificio Leo di Soveria Mannelli (CZ). L’anima di questo disco, la sorprendente emotività che lo rende pulsante e vibrante si ritrova proprio nello stridore insolito generato dalla tecnologia che sonda il tempo e lo spazio. La tecnologia di macchinari di fine ottocento con le timbriche ferrose e cigolanti e la tecnologia del digitale che battendo in questo terreno cerca di filtrare il linguaggio della macchina captando pulsioni di vissuto, dando suono ai ricordi, alle sensazioni, alle suggestioni. Una funzionalità messa al servizio delle emozioni e dei sentimenti più reconditi, un interiore intimo rievocato da palpitazioni metalliche e da sibili futuristici. Un gioco dei contrasti davvero interessante. Le due suite del disco: Mirrors e Objects sono in realtà un racconto in crescendo dell’incanto evocativo di un luogo. I campionamenti, successivamente rielaborati e filtrati in digitale, sono stati amalgamati in una continuità omogenea da cui scaturisce un linguaggio di grande intensità. Rumori industriali sferraglianti e impulsi robotici e spastici che si dilatano, si stratificano e si ricompongono in un’armonia pastosa e vischiosa che accorda in una danza primitiva e corale spigolosità e morbidezza, smarrimento, stasi apneica e sferzate di nervosa, rosienergica, passionale umanità. Di grande effetto anche gli sparuti inserti strumentali che quasi ci rappresentano un immaginario sipario teatrale che copre una serie di allestimenti scomposti che nel loro brulicante fervore cercano di darsi spessore e compattezza. Questo senso di attesa e di incompiuto che deve svelarsi aleggia per tutti i quarantuno minuti del disco facendoci immaginare di volta in volta preludi diversi, narrative diverse, sempre adattabili al nostro stato d’animo e al nostro sentire. Difficile trovare un’elettronica con cromatismi tanto vermigli e sinusoidalità tanto sanguigne, a riprova che la buona elettronica può toccare vertici espressivi ineguagliabili. Merito anche del tocco analogico e della creatività sperimentale degli altri due componenti: Rob Mazurek alla cornetta e Tim Barnes alle scosse percussive con oggetti improvvisati. Merito di un dialogo riuscito tra potenzialità dell’uomo e del digitale a suo servizio. 

|Romina Baldoni|

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|Sodapop|it

Seconda uscita per la Discreetrecords di Attilio Novellino e Saverio Rosi: dopo il bell’EP Radicalisme Mècanique dove lo stesso Novellino collaborava con The Great Saunites, ora l’etichetta alza ulteriormente il tiro con questo quartetto in cui i due, che collaborano assieme come Sentimental Machines, compongono due lunghi brani assieme a due nomi noti come Rob Mazurek e Tim Barnes.
Il progetto di Object In Mirrors Are Closer Than They Appear parte dalle field recordings fatte da Novellino e Rosi al Lanificio Leo, una fabbrica tessile che utilizza ancora vecchi macchinari: in pratica è allo stesso tempo una azienda e un museo industriale. Se i due italiani si occupano di tessere un ambiente sonoro partendo dalle registrazioni e aggiungendo basso, chitarra organo, sintetizzatore ed elettroniche, Mazurek alla cornetta e Barnes alle percussioni coi loro interventi completano il quadro impreziosendolo con la loro classe: Novellino e Rosi poi miscelano il tutto per un risultato finale eccellente. Gli ingredienti del disco sono un incrocio tra field recordings, elettronica contemporanea, avant jazz e improvvisazione radicale: quel che più colpisce è come con accostamenti azzeccati e alcune linee melodiche (principalmente di basso ed organo) si riesca a rendere coeso e perfino di medio/facile ascolto quello che è un vero caleidoscopio di differenti tecniche sperimentali spesso indigeste. Nei quaranta minuti abbondanti del disco la musica offre un’ampia gamma di modi di ascolto, ci si può fermare all’emozionante sottofondo d’ambiente o arrivare fino a soffermarsi sugli infiniti dettagli sonori e scoprire ogni volta aspetti diversi.

|Emiliano Grigis|

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|Kathodik|it

Ricordi, memorie, fatiche, rumori, macchine della più vecchia fabbrica tessile calabrese, il Lanificio Leo fondato nel 1873, catturate mediante una serie di registrazioni sul campo da Attilo Novellino e Saverio Rosi diventano lo scheletro su cui innestare frammenti di carni analogiche e digitali, per dare vita a due lunghe tracce elettroacustiche/avant-jazz infestate da fantasmi industriali d’antan. L’effetto è di assoluto incanto, per un’esecuzione sospesa tra sperimentazione scientifica che rovista e ricrea la storia ordinaria del luogo e pura sensualità/fisicità dei suoni. Suoni che meticolosamente sezionati e riassemblati dalla manipolazione software formano un microcosmo di timbri cangianti e multiformi su cui appaiono e si dispiegano i preziosi interventi di Rob Mazurek, cornetta-elettronica, e Tim Barnes, percussioni-oggetti. Due nomi abbastanza noti per chi bazzica certe musiche avant, entrambi protagonisti di una miriade di progetti eterogeni. Il primo, ad esempio, con i lavori per Chicago Underground Trio, Sao Paolo Underground, il secondo con collaborazioni che vanno dai Sonic Youth a Mattin, passando per Tony Conrad, Jim O’Rourke e tanti altri. Bastano i primi minuti dell’opera, distribuita in vinile e su Bandcamp, per coglierne subito le intenzioni. Fiati come dispersi ed erranti tra enormi spazi acustici mentre qualcosa sullo sfondo inizia a pulsare, muoversi, contorcersi e azionarsi. Da qui in poi è un alternarsi di distensioni ambientali, improvvise fughe digitali, fibrillazioni proto industriali e impressionistici inserti jazzy; Mazurek semina luci accecanti mentre Barnes smonta e rimonta meccanismi. Lamenti di pattern circolari e in attesa aprono invece la seconda traccia, marchiata poi da un suggestivo Mazurek spesso in rotta di collisione con ondate di frequenze e bleeps. Gran bel disco.

|Alfio Castorina|

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|Music won’t save you|it

Non deve stupire, data la stima internazionale conseguita da Attilio Novellino e Saverio Rosi (già insieme nel duo Sentimental Machines), vedere i due sound artist italiani lavorare fianco a fianco con musicisti di estrazione diversa e decisamente più navigati, per evidenti ragioni anagrafiche, quali il prolifico profeta dell’improvvisazione free Rob Mazurek (Exploding Star Orchestra, São Paulo Underground) e il percussionista Tim Barnes (una lunga esperienza prima con Wilco e Silver Jews, poi accanto a sperimentatori del calibro di Jim O’Rourke e Mats Gustafsson). Le due lunghe tracce, entrambe intorno ai venti minuti di durata, che riempiono le facciate del vinile in edizione limitata di “Objects In Mirror Are Closer Than They Appear” rappresentano la sintesi tra i complementari linguaggi sonori del soundscaping e dell’improvvisazione ritmica; da un lato, i due artisti calabresi hanno inteso valorizzare lo spazio sonoro di un luogo industriale della loro terra, trasformato in museo nel quale sono avvenute le registrazioni del lavoro, dall’altro i loro colleghi d’oltreoceano hanno portato nello stesso luogo il loro arsenale di percussioni, fiati e minutaglie elettroniche. In maniera del tutto sommaria, si potrebbe trattare di un semplice esperimento di congiunzione tra paesaggismo sonoro e dinamiche free-jazz, non a caso richiamato in maniera esplicita dalla cornetta di Maurek che apre il primo lato “Objects”. Quella radice è senz’altro presente nel lavoro, ben rappresentata anche dalle ritmiche asciutte di Barnes, ma intorno ad essa Novellino e Rosi costruiscono tutto un mondo costellato da impulsi di synth modulari, organi elettronici e chitarre trattate.L’incessante trasformazione della materia sonora risultante riempie di fremiti e risonanze gli spazi nei quali è stata intessuta, in una dimensione espressiva non circoscritta alla mera sommatoria tra elementi diversi, che del soundscaping offre una prospettiva tanto ostica quanto estremamente stimolante.

|Raffaello Russo|

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|Where is the club|it

Objects da un lato, Mirrors dall’altro per regalare una perla di rara bellezza in un periodo musicalmente scarno se non addirittura nullo in quanto a sperimentazioni (non quelle pseudo di alcuni “grandi”) e novità. Novellino, Rosi, Mazurek, Barnes a leggerli così, uno dopo l’altro, rievocano inevitabilmente ricordi calcistici dei tempi che furono e non. In realtà la fusione che ne nasce è simile all’alchimia che avrebbero potuto mettere in campo.
La strizzata d’occhio è soprattutto ai suoni metallici e “nature” che tendono a rievocare paesaggi immaginifici, visioni lontane da un futuro passato. Il bello è che l’insieme si sposa alla perfezione trasportando le frequenze e le sonorità in un unico filo conduttore. La composizione, questo il termine più appropriato, risulta brillante, armoniosa, “jazzistica”, ma neanche troppo, almeno non quanto sia graficamente ed elettronicamente futuribile.

|Giorgio Francavilla|

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|Chain D.L.K.|us

According to the linear notes this release ‘starts from feld recording session made by Attilio Novellino and Saverio Rosi [‘¦] at the woolen mill “Leo”, the oldest textile factory active in Calabria’. So, the basic element of this album is the sound of old machines with their properties to produce objects and to evoke a perhaps waned era. In this context, Rob Mazurek and Tim Barnes attempt a dialogue with this sounds to channel it in the context of EAI.
This release is divided in two sides (it’s a vinyl): ‘Objects’ and ‘Mirrors’. The first one is opened by Mazurek’s cornet and is suddenly substituted by the processed sounds of the machines with the evocation of the work done by the machine. When a distant voice appears, perhaps the voice of the owner of the machines, the cornet lies almost in opposition until the electric noise invades the spectrum and ends when a reverberated metallic beat marks a division in two parts of the track: the second one is based on noises, more or less highly pitched, ended by the return of the cornet heard at the beginning of the side. The second side is opened by an almost metallic resonance and samples that constitute the skeleton of the first part, as the second is based on drones and soundscapes that develop in a noisy dialog between glitches and the cornet.
This release it’s an uneasy listening one but it’s something courageous in his revelation of the properties of working tools to generate, with their sound, the soundscape of life in another century. Recommended for adventurous ears.

|Andrea Piran|

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|Free Jazz|Us

This Electro-Acoustic LP features field recordings of Italy’s oldest operational wool mill captured by Attilio Novellino and Saverio Rosi. The pair subsequently processed them to create a foundation upon which a myriad of analogue and digital, acoustic and electric instruments were added, resulting in two side long suites. Mazurek (Cornet & Electronics) and Tim Barnes (Percussion & Objects) then added their contributions which were subsequently edited, processed and entwined with Novellino and Rosi’s contributions. The resultant LP comprises two densely constructed pieces, rich in texture and detail, with melody occasionally punctuating the grinding abstractions. Such is the level of processing and manicuring of both source material and instrumental overdubs that the boundaries between the ‘Electro’ and the ‘Acoustic’ become blurred. The resultant sound world is awash with ambient timbres, drones subsumed by industrial clatter and densely woven sonance; soothing, jarring but never less than fully engaging.

|Mattew Grigg|

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|SentireAscoltare|it

Soveria Mannelli è un paese di 3.000 anime in provincia di Catanzaro; sorge sulla SS19 che porta a Reggio Calabria. Un tempo vi operava un lanificio importante che dava lavoro a 50 persone e che ora è un’azienda-museo, il lanificio Leo, che l’estate scorsa è stato scenario di registrazioni interessanti da parte di Attilio Novellino, Saverio Rosi, Rob Mazurek e Tim Barnes, autori di due suite (Objects/Mirrors) rilasciate da Discreet Records in versione vinilica limitata. Il risultato è ben lungi dall’assomigliare a un lavoro di soundscape anche di fronte ad un postulato difficile da smontare quale l’autorato cosciente preso nel vivo del maquillage. Il titolo stesso sembra smentire passi troppo funzionali. A discapito di un’orografia sottilmente percepibile, otteniamo un clima ibrido che esprime plasticità levantina e proto industrialismo. Analogico e digitale, in questo senso, si allineano senza sporcare, mentre Mazurek e Barnes segnano l’aria e la scansione ritmica con un volano jazz intrappolato nelle semifrasi valvolari. Pretendere di sentire gli sforzi del telaio o l’odore della Gentile di Puglia (anche se le registrazioni mantengono una propria originalità di base) mi sembra eccessivo, ma un tentativo se pur filtrato di trasposizione neurologica c’è. Un continuum utopistico per generare un quadro coerente.

|Christian Panzano|

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Radicalisme Mècanique – The Great Saunites/Attilio Novellino – 2014

|Blow up #191 | Italian Occult. Psych. pt.2 – ” i nuovi occulti”| it

Consapevolezza dei propri mezzi, buona perizia strumentale e, soprattutto, chiarezza d’intenti, tutto questo è “Radicalisme Mècanique” collaborazione con il sound-artist calabrese Attilio Novellino pubblicata su vinile giallo one-sided con una tiratura di centocinquanta copie. La traccia omonima, l’unica del disco, è una gemma di tredici minuti che viene retta da una propulsione motoristica robotica e arcana allo stesso tempo. Su questo ritmo magnetico si coagulano dissonanze, droni e passaggi free-jazz in un vortice straniante, come una jam tra gli Amon Düül II e i nosti Hermetic Brotherhood of Lux-or. Insomma, “Radicalisme Mécanique” è quasi un capolavoro, se la direzione intrapresa dai Great Saunites sarà questa ne vedremo delle belle.

|Antonio Ciarletta|

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|Sentire Ascoltare| Gimme Some Inches#44 |it

Passando al caro e vecchio vinile non possiamo che ri-sottolineare ciò che dicevamo per i mini di Bachi Da Pietra e Mamuthones, non a caso entrambi opera di CorpoC. Ora il laboratorio bergamasco non pubblica – responsabili sono Discreetrecords e Manza Nera – ma mette la propria firma impreziosendo per Radicalisme Mècanique – lavoro a sei mani di The Great Saunites e Attilio Novellino – un disegno curato da Vivaultra e impaginato da Terracava. Un lato come al solito serigrafato su vinile giallo con tema diremmo davinciano; l’altro con una composizione di 12 minuti in modalità “remote impro session” in cui la psichedelia del duo lombardo si fonde con l’elettronica di Novellino per tentare ipotesi di revisione dei canoni del free-jazz e della psichedelia più heavy. In soldoni, una lunga suite di fusione a caldo tra le varie anime degli autori, con un crescendo epico e insieme minaccioso. Pollice altissimo.

|Stefano Pifferi|
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EtheREAL|fr

C’est en 2012 que l’on découvrait Attilio Novellino avec son album Through Glass publié chez Valeot Records. Après ce coup de cœur, il était logique que l’on poursuive la découverte de cet artiste italien. C’est donc via cette collaboration avec The Great Saunites qu’on le retrouve sur ce 12″ simple face d’une toute autre tonalité puisque cette formation italienne joue plutôt sur le terrain d’un power krautrock teinté de psychédélisme, peut-être l’occasion pour Attilio Novellino de renouer avec ses premières amours. Avec un seul titre d’une douzaine de minutes, cette collaboration reste de courte durée mais promet d’être intense et assez éloignée de l’ambient organique qu’il livrait sur Through Glass. Les premières notes sonnent d’ailleurs l’alarme avec une sorte de sirène de cuivres, une voix plutôt revendicatrice, quelques coups de cymbales préparant la construction d’une rythmique bientôt régulière. The Great Saunites prend donc rapidement le dessus et cette collaboration sera plutôt à classer dans le registre des productions post-rock.
Une musique particulièrement riche, qui gagne en puissance en multipliant les lancements de nappes, drones et crissements, sans parler des improvisations de cuivres nerveux et nasillards. Sur le dernier tiers, nappes, drones et textures de toutes sortes s’organisent pour former un dense magma sonore qui rivalise avec le duo basse-batterie au second plan avant de s’éteindre sur des boucles abandonnées, entièrement gérées par les machines.

On est donc bien loin de l’ambient grésillante d’Attilio Novellino mais ce Radicalisme Mècaniqueest une très belle pièce post-rock.

|Fabrice Allard|

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|Distorsioni|it

The Great Saunites, dopo la convincente prova di “The Ivy”,tornano insieme al maestro del suono Attilio Novellino ad offrirci una specie di seduta sperimentale estemporanea. Un disco a tiratura limitata a 150 copie inciso su un solo lato (unica omonima traccia di poco meno di 12 minuti) e serigrafato da CorpoC su un insolito sfondo giallo vivace. L’approccio ci riporta all’inquietante post psichedelia visionaria e psicologica del duo lodigiano impastata dallo sfondo motorik della batteria, dalle propulsioni decostruite e stratificate del basso, dal loro incontro alchemico ed enigmatico. Attilio Novellino invece contribuisce in questa traccia alla tornitura del flusso, ai sibili cosmici, all’effettistica emozionale, alle atmosfere. Si possono ravvisare maggiori passaggi di impro jazz, che nel bel mezzo del pezzo convivono con le dissonanze, un’elettronica contestualizzata ad amplificare la percezione piuttosto che ad intessere rumori stranianti o fuori campo. Il risultato complessivo è l’intelaiatura di una nebulosa che si infittisce in un crescendo emozionale e sospensivo. Una risacca vorticosa che assorbe e intorpidisce i sensi. Una ciclicità dell’eterno ritorno che è al tempo stesso fuga spazio temporale. Come nelle migliori lezioni di kraut rock (Neu! Cluster) l’associazione all’evasione e alla dispersione è evocata da ritmi ipnotici e ripetitivi, da un avanzare che si intensifica dalla fase di vuoto rarefatto a quella di densità asfittica e pregnante. Ogni rumore, ogni sfumatura, ogni variazione è inglobata da questa specie di bussolotto pieno di sabbia sbattuto da una risacca metronomica, associabile all’ineluttabilità del fato, ad una ruota cabalistica, che disperde tutto in un drone siderale, in un fruscio meccanico dove tutto diventa vibrazione, rimando, trance, eco di sottofondo. La frammentazione, la demistificazione dei generi, il riciclo e lo sfilacciamento dei rimasugli post, incanalate nella sottile linea che separa la paranoia ossessiva e il caos esistenziale. Solo gli Heroin in Tahiti avevano osato scendere verso questi cunicoli di oscurità, riesumato queste ritualità dell’occulto con tanta delirante magia. Spiazzante, straniante e stramaledettamente affascinante.

|Romina Baldoni|

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|The Post Rock|de

The Great Saunites und Attilio Novellino haben wir euch vor einiger Zeit vorgestellt. Jetzt haben sich die beiden italienischen Acts zusammengetan und eine gemeinsame 12inch veröffentlicht. “Radicalisme Mècanique” nennt sich das 12minütige Ergebnis. Ein sich auftürmendes experimentelles Stück, mit trockenen Drums, brodelndem Bass, umgeben von einer Soundwolke, aus der immer wieder neue Klänge hervorschauen. Das Ganze gemastert von James Plotkin. Mehr nicht. Mehr braucht es auch nicht. Die Platte ist auf gelbem Vinyl mit schwarzem Siebdruck als Co-Release der beiden italienischen Label Manza Nera und Discreet Records erhältlich. Sucht euch ein Label aus und schafft euch diese Platte an.Through Glass – 2012

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|Rockerilla| #403|it

Il cambiamento è bello tosto! Una frase che sentirete dire da tutti quelli che affrontano questo nuovo percorso sonoro arrivando dall’ultimo lavoro del 2012 di Novellino. Tutto e il contrario di tutto rispetto al valeottiano Through Glass. L’artista calabrese abbandona il lavoro solista e si unisce al duo italiano dei Great Saunites, il suono irrimediabilmente si trasforma ed assume connotazioni radical-retrò. Un balzo indietro dentro la progressione free-jazz anni 70′ mescolata con una buona dose di psichedelia. Una piacevole sorpresa dedicata a chi ama i cambiamenti drastici e preferisce i corsi e ricorsi di un ritrovato nomadismo psichedelico da Parco Lambro.

|Mirco Salvadori|

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|Chain D.L.K.|us

This new release is a one sided lp that last a little less that twelve minutes and is the result of the collaboration between Attilio Novellino, a sound artist, and Great Saunites a duo, playing bass and drum, working in the field of developing melodic lines out of traditionally rhythmic instruments.
A lowly distorted guitar line and cymbals introduce the listener in the initial part of this track where samples and a drum giving the rhythm of the track create the frame for the other instruments for the development of the track. The almost hypnotic overall mood is vaguely reminiscent of krautrock, his most rock oriented paths at least, and is conducted by the string instruments, guitar and bass, developing their lines slowly until a sax is left almost alone, at a low volume acting as a sidekick, and starts the second half of the track, while the beat continues assuring the cohesiveness of the track. When the guitar enters again, the sax stops, and the last part of the track begins in a crescendo that creates a sonic mass that slowly ends to let the sax ending the track in solitude upon a noisy soundscape.
This release sounds more like a live recordings of a concert rather than a fully conceived release and, for someone, this is one of the best statement available. If only it lasted a little more…

|Andrea Piran|

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Through Glass – 2012

Blow Up| #170-171|it

Già segnalatosi tre anni fa circa per l’ottimo debutto con il monike Un Vortice di Bassa Pressione, il sound artist calabrese Attilio Novellino approda sulla Valeot di Alexander Vatagin per la pubblicazione del suo secondo lavoro, questa volta a proprio nome, proponendo un lavoro certosino in cui tutte le componenti del genere (processing digitale,  chitarra, field recording) vengono equilibrate in un pout pourri stratificato che evoca procedimenti e suggestioni della migliore scuola ambient-drone recenziore (Tim Hecker, Christian Fennesz, Simon Scott, Chihei Hatakeyama). Ma lungi dal ristagnare in un comodo insieme di stilemi e stereotipi di ambito, le trame intessute da Novellino sono innervate da un layering sofisticato e versatile, che lascia intravedere a tratti nel cupo e greve spessore dell’intreccio l’emergere di brandelli di materia sonora in libera uscita, come confuse e ammalianti immagine oniriche. Vengono in mente allora i My Bloody Valentine (Through Glass) o certa kosmiche musik di teutonica memoria (Ex-Butterfly, After You’ve Had a Life). In definitiva, “Through Glass” lascia sulla pelle la sensazione di un lavoro felicemente articolato, in cui elemnti differenti vengono amalgamati con perizia e freschezza, evitando ogni facile deriva di clichè: la via italica del genere, già aperta negli anni scorsi dal contributo di sound artist come Enrico Coniglio e Alessio Ballerini, si arricchisce di un altro significativo tassello.

|Leandro Pisano|

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|Headphone Commute|us

I have to admit that sometimes it’s hard to write about music. Not only is it difficult to put the right words that have concrete meaning to something that exists in an abstract and tangible way, but I often run out of adjectives to describe particular sounds, attempting not to stay repetitive in my observations. There is only so much I can say about “ambient” and “drone” and “noise” and “experimental”. Often, after re-reading my write ups from years ago, words like “lush”, “somber”, and “textured”, begin to lose all of their meaning, drowning in sounds which swallow the void. Thankfully there is always the music itself, which does a much better job at convincing the listener of its value. The only thing that’s left for me to do is to guide you towards the source. Here… listen to this… Attilio Novellino produces experimental soundscapes, that drone out the noise in lush ambient textures. The somber tones are enriched with distortion and swell beyond the horizon until they recede like dark waters after the storm. Elements of white noise are also present throughout the frequency rich pads, which swirl in the ocean of motionless layers. Exploring the boundaries between melody, dissonance and noise, Novellino incorporates electronics, guitar, piano and field recordings to build up the foundation of his atmospheric work.“Through Glass emerged from thoughts about the power of the light filtered through glass: as the light, so the sound can be reflected in a thousand directions, giving rise to previously inaudible material, with a mysterious and intense charm.”Through Glass is only a second full length release for the Italian “soundartist”, Attilio Novellino. His debut album, Anonymous Said (Inglorious Ocean, 2009) was recorded under a curious moniker, Un Vortice Di Bassa Pressione (tr. A Vortex Of Low Pressure). The production on Through Glass is very mature, rich, and clean (even though noise is the predominant element in the composition). This music will absolutely appeal to fans of Tim Hecker, Fennesz, Stephan Mathieu, Ben Frost and Lawrence English. This is another win for Alexandr Vatagin‘s Valeot Records which continues to steadily release quality material and satisfy my cravings… Keep ‘em coming!

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|Gonzo| # 109|be

Gitaar, piano, elektronica en veldopnames zijn de bouwstenen waarmee de Italiaan Attilio Novelllino aan het componeren slaat. Het resultaat is iets ruwer, korreliger en onheilspellender dan bij Kutin. Novellino flirt namelijk ook met ruis, noise (‘Ilyria’) en dissonantie waardoor het geheel ook iets dreigender overkomt. ‘Through Glass’ is zijn tweede album, maar laat niettemin een bijzonder mature indruk na. Sterk album voor wie nog een gaatje heeft tussen pakweg Growing en Tim Hecker.

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|The Silent Ballet|us

I was first turned on to Italian sound artist Attilio Novellino’s music by the words “The Italian Fennesz” describing his track “Sirens” a couple of months back, a comment that in itself sets extremely high expectations for any artist. Christian Fennesz, who needs no introduction to regular readers of The Silent Ballet, is a venerable landmark in the field of experimental music, and Italy has been a producer of excellent ambient musicians in the past years, such as Giuseppe Ielasi, Emanuele Errante, and Fabio Orsi to name but a few. With that in mind, I had unconsciously set myself up for disappointment. Five minutes later, however, and after Novellino’s Sirens had sung their songs, the comparison had come to make full sense. Harsh soundscapes, noise, and impermeable fields of processed guitars make up most of Through Glass’ sonic vocabulary, but that’s not to say that there isn’t a wealth of beauty to be found within the confines of the album. Novellino’s production skills allow him to thoroughly display the purest of emotions from the dirtiest, noisiest surroundings. There is a constant sense of something incredibly pure awaiting release, most evidently in the album’s centerpiece “Ex-Butterfly/Her Red Shoes/After You’ve Had a Life.” One can also get a glimpse of actual songs being played in the background on numerous occasions, buried deep inside the all encompassing waves of guitars; a bass line keeps tempo, a guitar chord pops up unexpectedly, little things that show the humanity within these predominantly synthetic soundscapes.
It really is the production that allows Novellino to get the acclaim that he’s had since the release of Through Glass. Anyone can make an album of pure noise, but a unique few can make sense out of it all, separate the layers properly, and prevent it from being an overbearing listen. The layers aren’t muddled up in order to sound organic, and a free flow of ideas isn’t halted by a keen eye for detail. A very high degree of restraint is exercised, and it works to the album’s advantage. References to Yellow Swans’ farewell album Going Places and Burning Star Core’s epic The Challenger can be easily made and won’t be overstatements. At least they won’t be overstatements when it comes to the sound output; the song writing however, still needs a good amount of improvement in order to reach the heights reached by those mentioned above.
On repeated listens, one finds that several extended sections on tracks like “A Footpath for Night Dancers” and the aforementioned centerpiece seem like they go nowhere, and sadly they don’t. It might be a case of overindulgence in a certain sound, a pitfall which many ambient and drone musicians seem to fall into at least on a couple of occasions until they get it absolutely spot on. This is further emphasized by the fact that when these extended sections are reached, the problem of loss of ideas comes into focus. At the end of the day, Through Glass doesn’t stray far enough from his influences to garner itself a position as a game changer in the genre, it is very good, indeed, but it won’t send one’s mind racing to contemplate how the album was conceived.
The potential is most definitely there, and the last trio of tracks definitely shows that Novellino is more than capable of creating something that would put him amongst the elite of experimental music and help him find his place amongst those name dropped in the first paragraph. It seems like it’s just a matter of time. He’s gotten our attention, now we wait to get enamored.

|Mohammed Ashraf|

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|Vital Weekly|818 |nl                              The experimental Releases of the week

Before starting to use his own name, Attilo Novellino used Un Vortice Di Bassa Pressione, which is not an easy name to remember, so perhaps he choose his birth name to go by. Novellino is also a member of Sentimental Machines. He has had a release on Inglorious Ocean and will have one soon on Small Doses. His ‘Through Glass’ album has ten tracks, which use extensively guitars, bass, field recordings and piano. Ambient might be the right word, but its not always that soft, such as in the shoegazing opening of ‘A Footpath For Night Dancers’, which is quite loud and mildly distorted. Not so much my cup, but I enjoyed occasional distortion like that since its a bit different than many others working in this crowded field of drones. Novellino plays with various cards on the table, going from softer moods to grittier ones and that’s quite nice. He has obviously thought about the whole notion of ambient and drone music, and seems to me interested in finding his own voice in that. I must say that he succeeded as such. The whole noisiness of distortion pedals full on, is perhaps less interesting for me, but I certainly can see connections to Tim Hecker or Andreas Tilliander. Promising newcomer, I’d say.

|Frans de Waard|

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|Cyclic Defrost|Aus

Through Glass is a course and wiry album, amplifying the weeping fuzz of Tim Hecker into crumbling pillars of sonic ash. Like Hecker, Novellino’s pieces can be surprisingly rich with emotion, a sorrow lost in digital mess, but there’s a greater sense of active machinery, and industrial decay, at work. Through Glass could be a representation of the gloom and hopelessness of post-industrial labour, the sounds of drills and clanking metal ground down with granular synthesis into shapeless chunks of sonic gloop.
As with much music dependent on heavy processing part of the pleasure is glimpsing the source material through the murk. Choral voices seem to lie beneath the dust storms of ‘Sirens’, while ‘Her Red Shoes’ seems lost beneath airplane roar and hair dryers. This is the dynamic that runs through all of Through Glass, a balance between romantic emotional expression and complete noise obfuscation, with neither a clear victor.

|Joshua Meggitt|

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|Bad Alchemy|de

Attilio Novellino hat zuvor als Un vortice di bassa pressione und mit Sentimental Machines Musik gemacht. Mit Through glass (valeot 014) liefert der Mann aus Catanzaro dröhnminimalistischen Spektra­lismus, den er mit Electronics, Gitarre, Bässen und Fieldrecordings so aufbereitet, dass gelegentlich sanfte Phantomchöre mitzuschwin­gen scheinen. Bei ‘Sirens’ stößt ihr Lockruf aber auf einen kleinen Bengel, der alles andere interesanter findet. Novellino beruft sich auf Fernando Pessoas Hilfsbuchhalter Bernardo Soares und dessen Argonautenfahrten eines Träumers. Reisen? Existieren ist reisen genug. Und Fühlen ist leben genug. Novellinos Schule der Empfind­samkeit verbannt Reisen, die nicht ins eigene Ich führen und Leben, das zu träumen vergisst, hinter Glas. So ladet er einen ein, mit ihm aufzubrechen in sublime Abenteuer eines Schmetterlings, der träumt ein Hilfsbuchhalter zu sein (‘Ex Butterfly’). Der beim rauschhaften ‘Snapshot of a Loss’ einen Kinderchor halluziniert, dem die Nacht zur Bühne für Balletttänzer wird (‘A Footpath for Night Dancers’, ‘Her Red Shoes’), zum Sinnbild des Erhabenen. ‘Yosemite Nightsky’ verdoppelt den Rausch der Imagination, ‘Llyria’ und ‘Amber Alert’ überschäumt sie mit dem hochromantischem Dauerschwall des anbrandenden Meeres. Power, magick, majesty. Novellinos Überwältigungsästhetik nebelt einen ein, bis man meint, die Englein singen zu hören. Ich hole mir aber da nur nasse Füße.

|BA 72 rbd|

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|Saarbrücker Zeitung|de

Die selbe prächtige Cover-Gestaltung wie „Ivory“ erfuhr das ebenfalls auf Valeot Records erscheinende „Through Glass“ – jenes physikalische Phänomen Eis indes nicht in der Fläche, sondern als feines Kristallgebilde nutzend. Im Falle des Italieners Attilio Novellino kommt aus nicht weiter nachvollziehbaren Gründen nunmehr der Begriff „Soundartist“ zum Einsatz. Vielleicht weil bei ihm als Lokalitäten für Live-Auftritte auch Kunstevents gelistet werden. Schlagworte wie „post-industrielle Visionen“, „universal“, „nächtliches Glühen“ oder „Tiefsee-Licht“ werden diesen zehn atmosphärischen Tracks angedichtet – und, nun ja, das passt schon ganz trefflich. Die Lust an makelloser Schönheit, an einer Konventionen sprengenden Song-Statik und an verschwommenen Traumbildern, aber auch ein diebisches Vergnügen an herausfordernden Dissonanzen ist während der Laufzeit von „Through Glass“ jedenfalls durchgängig spürbar.